"Amo bailar" y tu: amas bailar?

2012-01-08T08:43:00.000-08:00

RESPETO! UN CÓDIGO QUE NO DEBE ROMPERSE

RESPETO! UN CÓDIGO QUE NO DEBE ROMPERSE...

No solo en la pista de baile... en la Vida... el Respeto es un código que no debe romperse bajo ningún concepto...

Desde que empecé con esto de bailar Tango me han machacado con los Códigos... Códigos para saber que quiere mi compañero que haga, códigos para saber donde sentarse, códigos de la vestimenta, códigos de como transitar la pista, códigos de... bueno códigos para practicamente Todo... en todos los casos fui encontrando lógicas las explicaciones de que fue lo que generó ese código y la razón por la cual continúan hoy en día.

Como resulta obvio, las sociedades evolucionan, van cambiando y por ende las personas, entonces algunos de esos códigos se fueron volviendo más laxos en algunos aspectos, cosa que no veo mal... siempre que laxos no signifique distorsionarlos en forma total.

En fin, el tema es que si hay un Código que No debe romperse, ni volverse laxo bajo ningún aspecto... ni en la pista ni en la Vida es el que llamamos RESPETO!!!... ¿Por qué digo esto? Porque parece que algunos no conocen el significado de esta palabra, claro mejor la buscan en el diccionario ¿no? y encontraran una definición tipo "actitud considerada hacia las personas o las cosas".

Es entonces cuando me pregunto ¿por qué a veces sufrimos golpes en la pista?... voy a ser clarita... uno sabe que debe bailar en un sentido determinado, que si se tiene más dominio de la pista se baila en el carril exterior de esta, donde tenes las mesas de un lado, otros bailarines atrás, adelante y del costado... entonces de repente... PUM! Golpe de taco directo a las pantorrillas, tobillos y/o los pies... no todas las veces son tacos de mujer, también pueden ser de hombre... claro que la mayoría de las veces es ese hermoso taco aguja que funciona cual navaja contra la piel de otra persona... pero esto no queda acá... entonces te enfrentas a diferentes respuestas a ese golpe:

Te miran y te piden disculpas, e incluso se fijan si estas bien (esta no suele ser la más común de las respuestas, pero sería la correcta)
No te miran y siguen como si nada (la más común de las opciones): HOLA!!! ¿No conocen la palabra "disculpa"?... digo no es muy difícil... a ver si practicamos... DIS-CUL-PA... ¿Ven? no es tan complicada ¿no?
Te miran (con mala cara) como si vos tuvieras la culpa de que te hicieran un hermoso tajo en la pierna, te lastimaran un tobillo e incluso pueden llegar a esguinzarte: ¿Perdón? a mí no se me ocurrió revolear las piernas sin siquiera mirar antes si había lugar y te dí en tu pierna... volvemos al punto 2)... ¿es tan difícil pedir Perdón?
Los encaras y te dicen que ese tajo te lo hiciste solita: sip, claro... soy contorsionista y puedo girar mi pie de tal forma de generarme un lindo tajo, porque me parece fashion tener eso en mi pierna (sip soy irónica... pero me parece una respuesta p......a)
Ella te mira y te dice "Perdón, pero él me marco un boleo" (mientras te mira con cara de perro degollado) a lo que después mirando al compañero lo increpa con un "No me marques más boleos en alto": bueno esta respuesta merece análisis... primero esta en clara competencia con el punto 4)... bien con el uso del Perdón, pero a continuación una p.......z tras otra, ya que todo bien, pero tenes la opción de no hacer el boleo en alto, así que más allá de que él marcó algo sin medir el espacio... ella ¿hace todo lo que le marcan sin un usar un poco de su razonamiento?... un poco, tampoco es tanto... porque sino solo es necesario un poco de blabla y esa chica a terminar teniendo muchos hijos (ok! me estoy zarpando de irónica)

La lista de situaciones y respuestas pelot... que se escuchan en las milongas es infinita, pero para mí solo se resume en que es una Falta de Respeto... faltan el respeto a la inteligencia de la otra persona que ahora luce un lindo tajo en su pierna, faltan el respeto a la pista de baile, hasta se faltan el respeto a sí mismos haciendo un movimiento en forma automática sin medir las consecuencias.

Ojo! no dejo fuera de este razonamiento que a veces uno calcula que hay espacio y el que esta adelante tuyo se le ocurrió hacer un Hermoso paso atrás, o al que esta al costado se le ocurrió cambiarse de carril y también generan un choque que era evitable si todos respetamos el Código de Circulación en Pista.

Entonces vuelvo a mi consigna original... Respeto es un Código que no pertenece solo a la pista de baile, es un Código de Vida que No debe Romperse!

La realidad es que a mí en lo personal me encanta hacer boleos en alto, los ganchos y ese tipo de cosas, pero si no hay lugar, si la pista esta complicada o solo porque no se me canta simplemente tengo la opción de No Hacerlo... más allá de la marca de mi compañero ocasional, incluso tengo la opción de no aceptar bailar más con esa persona.

El que guía propone un movimiento y el guiado decide realizarlo de una u otra forma, entonces si estoy en una pista, me marcan un boleo lineal... mi razonamiento es No lo hago... ¿por qué? fácil... mido 1.65 y mis piernas 80 cm (sip soy papaito piernas largas jajaja), más el pie estirado con un taco aguja de 8 a 9 cm... digamos que necesito espacio... y como el boleo lineal me refiero a cualquier boleo... solo lo hago bajo o a una altura media si hay más espacio, en general un boleo en alto solo si estoy en un lugar con espacio, sino queda un lindo boleo bajo... bien al piso.

Si el que guía tiene la obligación de cuidar la espalda del guiado, el guiado tiene la obligación de cuidar la espalda del que guía... porque hasta donde sé no tiene ojos en la nuca... esto me parece que muchas veces es olvidado y claro que es lindo acomodarse en el abrazo, cerrar los ojos y confiar en el otro, pero si la pista esta complicada (por el motivo que sea) una debe saber estar alerta, en mi caso significa abrir los ojos y ayudar a ese compañero a transitar por la pista, porque capaz me marcó un giro, mientras él realiza una aguja y no ve que viene otra pareja... es mi obligación frenar el giro para evitar el choque, esto también es parte del Respeto.

Algunos dirán que la culpa la tiene el/la Maestr@ que no le explico al/la Alumn@, pero aquí surge otra pregunta ¿hay que explicar que no esta bueno golpear a otro y por ende hay que tener cuidado?, entonces el error ¿de quién es?... esto sin negar que hay Maestr@s que no explican el tema de circulación en pista, ni la utilización del espacio para realizar una figura o un movimiento... mi pensamiento dice que si no sabes calcular bien el espacio o te insumen demasiado espacio o bien no lo hagas o achicalo... por ejemplo... con las volcadas uno puede realizar una con bastante ángulo o bien una pequeñita, porque en sí es un fuera de eje... lo mismo que una colgada, entonces no es necesario utilizar mucho espacio para hacerla (¿se entiende?... no se me ocurre como escribirlo de otra forma jajaja) y de esta manera evitamos un choque o un golpe innecesarios.

Además... todo bien, pero no estamos en un escenario ni dando una exhibición, estamos en una pista con otras personas y para mantener el orden de ese fluir de la pista debemos RESPETARNOS Y RESPETAR.

En fin... me descargué jajajaja

NO! A LOS GOLPES EN LA PISTA DE BAILE... SÍ! AL RESPETO

Escrito y Publicado en Febrero 2011

2012-01-06T14:54:00.000-08:00

Rock esquina tango

Uno surgió cuando el otro estaba retrocediendo pero nunca quiso reemplazarlo; con el tiempo, tangueros y rockeros encontraron la forma de coexistir como complementarios

Por Eduardo Berti y Salvador Biedma | Para LA NACION

Al igual que otros movimientos, el rock se alzó (sobre todo, en sus inicios) contra la cultura de los padres. En la Argentina de los años 60 y 70, el tango era uno de los símbolos de esa cultura. Muchos de los aspectos ortodoxos y conservadores del tango constituían ejemplos casi perfectos de aquello que la contracultura hippie rechazaba: el machismo, una mirada "purista" sobre la tradición, el culto al pasado y otras formas de acartonamiento. El rock propugnaba los valores contrarios y el choque aún se puede ver, incluso caricaturizado, en viejas películas de la época de Onganía donde la figura tanguera (digamos, Alberto Castillo) se enfrenta con la figura joven de moda.

Más allá de estas simplificaciones, hubo elementos comunes entre el rock y otro tipo de tango que no representaba la línea dominante en aquellos tiempos. Esto explica, en parte, que el vínculo entre ambos estilos musicales (y ontológicos) estuviera en un principio marcado por una vacilación entre el amor y el odio, por encuentros y desencuentros y por cierto grado de incomunicación que el tiempo ayudaría a atenuar.

La brecha ideológica entre ambas culturas se profundizó, en un comienzo, debido a aspectos tecnológicos. A la acústica más o menos elegante del tango posterior a los años 40 se opuso la electricidad más o menos visceral del rock; a las dificultades del tango para encontrar espacios en la TV se opuso el lazo que el beat (y, ante todo, la llamada "nueva ola") supo tejer con ese medio.

No todo fue drástico, sin embargo. El rock no marcó una ruptura categórica con lo previo y el tango no se limitó a un rechazo terminante de lo nuevo: Virgilio Expósito (autor de tangos como "Naranjo en flor" o "Maquillaje") era primo y productor de Billy Cafaro, el mismo intérprete que grabó la primera canción beat de éxito en la Argentina ("Pity Pity") y que poco después cantaría "Kriminal Tango". Por otra parte, los padres de dos de los pioneros del rock argentino, Luis Alberto Spinetta y Litto Nebbia, eran cantantes semiprofesionales de tango, y en la "voz de gorrión" de "Muchacha (ojos de papel)" de Spinetta es fácil reconocer la "voz de alondra" de la "Malena" de Homero Manzi. Se podrían citar muchos ejemplos de este tenor.

A principios de los años 60, antes de que se fundara la tradición más inspirada del rock local (la que se inició con Moris, Los Gatos, Manal, Almendra y Vox Dei y entre sus pioneros tuvo a Tanguito, vaya nombre para un mito rockero), la música beat ya poblaba la televisión de Buenos Aires. En uno de los dos principales programas dedicados al género, Escala musical (el otro era El club del clan ), llegó a presentarse el grupo uruguayo Los Shakers, que acaso represente el mejor eslabón entre la nueva ola y el primer rock argentino. Liderados por los hermanos Osvaldo y Hugo Fattoruso, Los Shakers componían y cantaban sus propias canciones en inglés, con una fuerte impronta beatle, pero eso no impidió que, a mediados de los años 60, se permitiesen incluir un bandoneón en el tema "Higher than a Tower". El color local del rock sudamericano, puede decirse, estuvo dado por la inclusión de un instrumento característico antes que por la utilización del castellano.

El otro programa de TV dedicado por entonces a la música beat , El club del clan , era una fábrica de ídolos juveniles. Muchos de ellos portaban nombres como Nicky Jones o Jolly Land (acaso como otra forma de diferenciarse del tango y su jungla de apellidos italianos y españoles), pero llamativamente sobrevivieron mejor quienes ostentaban nombres menos estrafalarios: Palito Ortega, Violeta Rivas o Raul Lavié. El caso de Lavié también sirve para relativizar el supuesto corte entre el tango y el rock argentino: en paralelo a El club del clan , Lavié desarrollaba ya una carrera como cantor de tangos que lo llevó, tiempo después, a trabajar con Astor Piazzolla.

Los "neotangueros"

A fines de los años 60 e inicios de los 70, cuando estalló la entonces llamada "música progresiva" (después, "rock nacional"), el tango se hallaba en un momento de fuerte retroceso en cuanto a popularidad y de aguda crisis en términos artísticos. Las grandes orquestas no podían sobrevivir (más que nada, por razones económicas) e iban disolviéndose una tras otra, tal como había ocurrido en Estados Unidos con las big bands de jazz.

Los empresarios que organizaban bailes en los clubes o los teatros preferían pagarles a cuatro o cinco músicos con amplificadores. Los intérpretes de tango reaccionaron como pudieron. Los más audaces -Horacio Salgán, Aníbal Troilo, Piazzolla- comprendieron enseguida que debían formar orquestas más chicas: cuartetos o quintetos. La era de los grandes bailes animados por orquestas quedaba atrás y comenzaban los conciertos de tango en los que el público permanecía sentado.

Pronto surgió una vanguardia "neotanguera" que supo acoger ese cambio, integrada por Eduardo Rovira, el Cuarteto Cedrón y Rodolfo Mederos, entre otros. El rock se vinculó con ese sector y el primer disco de Almendra incluyó no sólo el bandoneón de Mederos (en "Laura va"), sino también un tema ("Figuración") inspirado en la "operita" María de Buenos Aires , de Piazzolla y Ferrer.

Claro que hablamos, en estos casos, de una línea marginal dentro del universo del tango. La mirada más conservadora predominaba y mantuvo una posición hostil tanto con el rock como con los llamados neotangueros. Cuando Piazzolla, en los años 60, incorporó en su orquesta la batería, muchos puristas omitieron que Francisco Canaro se había valido del mismo instrumento casi medio siglo antes. De igual modo, cuando Ubaldo de Lio decidió amplificar una guitarra para que su instrumento sonase al mismo volumen que el piano de Horacio Salgán, los ultraortodoxos lo condenaron por apelar a un recurso que muchos relacionaban con el jazz.

Resulta evidente el paralelo con el escándalo que provocaron en su momento músicos como Bob Dylan o Paco de Lucía al innovar dentro de estilos ( country-folk y flamenco) que pretendían mantener códigos estrictos. "En este país se puede cambiar cualquier cosa menos el tango", llegó a decir Piazzolla cuando la ortodoxia lo hizo blanco de sus ciegos reclamos.

El bandoneonista Leopoldo Federico ha llegado a considerar hace diez años que los músicos de tango de su generación se equivocaron al no "enchufar" sus instrumentos. "Dimos mucha ventaja", cree Federico, quien fue arreglador del cantor uruguayo Julio Sosa, tal vez la única figura masiva que arrojó el tango en pleno auge de la "nueva ola". Cantor de voz severa y gestos afables, Sosa combinó los clásicos obligados con un repertorio más jocoso y gozó de una popularidad digna de los ídolos juveniles. Tras su muerte, por un buen tiempo, casi todas las propuestas de los tangueros pasaron a ser instrumentales y ya no hubo espacio, luego de las audacias casi surrealistas de Homero Expósito y de Horacio Ferrer, para que los poetas tuviesen una relación fluida con el gran público. En cierta medida, el rock argentino tomó esa posta.

En su momento, muchos vieron en Miguel Cantilo (que, con el dúo Pedro y Pablo, había sumado un bandoneón en algunos temas de aire totalmente porteño como el singular "Che, ciruja" o el recordado "Yo vivo en esta ciudad", exacta mezcla de tributo y ruptura) a un heredero de Enrique Santos Discépolo, y el propio Charly García afirmó que la poesía de Spinetta presenta similitudes con la de Homero Expósito. En términos más amplios, las letras de rock dieron continuidad a una operación propia del tango: el rescate del lunfardo y de expresiones populares de diverso tenor (Sumo recuperando la palabra "chabón", los Kuryaki reflotando expresiones como "abarajar") y el trabajo con neologismos.

Desde el jazz

Los músicos más desprejuiciados del jazz argentino colaboraron, desde fines de la década del 60, a tender un puente entre el tango y el rock, pues se acercaron a uno y otro estilo sin plantear una disociación. Esto se ve claramente en la figura del compositor, arreglador y guitarrista Rodolfo Alchourron, quien escribió alguna vez: "Para quien realiza algo artístico, no es muy importante el rótulo bajo el cual caiga lo que hace, sino la actividad creativa que realiza y luego, por supuesto, la obra que resulte de ello".

Desde su extracción jazzera, Alchourron no sólo colaboró en los arreglos orquestales de "Laura va", sino que también trabajó junto con Miguel Abuelo, Moris, Aquelarre y Arco Iris, entre otros, y tuvo una relación de lo más fértil con Litto Nebbia. Fue guitarrista de Piazzolla y se opuso siempre a las muecas grotescas que pretendían reivindicar los aspectos más negativos de la mitología tanguera.

Muchos de los músicos con los que Alchourron estuvo en contacto y grabó supieron, desde el jazz, acercarse al tango, a la música popular (por no utilizar la palabra "folklore") y al rock. Entre ellos se cuentan Mederos, Bernardo Baraj, Dino Saluzzi y Norberto Minichillo.

A mediados de los años 70, se estaban planteando nuevos acercamientos entre el tango y el rock vinculados, de un modo u otro, al jazz. Fueron de suma importancia los proyectos del grupo Alas y de Juan José Mosalini (uno de los neotangueros, radicado desde hace años en Francia). También hizo un aporte significativo el grupo Invisible, liderado por Spinetta, con su disco El jardín de los presentes , que incluía bandoneones (Mosalini y Mederos) y aires decididamente tangueros junto a sonidos cercanos al jazz y que, en la hermosa canción "El anillo del capitán Beto", retrata a un astronauta "ayer colectivero" que añora a Gardel, que llora el recuerdo del mate, de "mi vieja y el café". Esa tensión entre el viaje espacial (tan propio del rock y tan próximo al "Space Oddity" de Bowie) y la esquina del barrio (tan propia del tango) sintetiza la mezcla de universalismo y localismo que hizo que Los Gatos cantaran tanto "soy de cualquier lugar" como "soy de este lugar" en dos álbumes distintos y que condujo a la famosa síntesis de Serú Girán en su tema "Los sobrevivientes": "Y, sin embargo, ya ves, somos de acá".

En los tiempos de Alas, Invisible y Serú Girán parecía que la brecha generacional se resquebrajaba de un modo nada complaciente, con una música auténticamente innovadora, y Astor Piazzolla fue, en cierto sentido, la figura tutelar del fenómeno. Si el jazz marcó -como se sabe- una clara referencia para Piazzolla, el llamado "jazz-rock" de Weather Report, Miles Davis, Chick Corea y Return to Forever resultó determinante para que él formara, en los años 70, el octeto que bautizó Conjunto Electrónico (en realidad, era eléctrico), nutrido de músicos provenientes del rock, como Gustavo Beytelmann o Tommy Gubitsch.

La experiencia de dicho conjunto fue fugaz. Según Daniel Piazzolla, hijo de Astor, su padre no se entendió bien con los "rockeros" que había incorporado. Aun cuando a nivel humano el encuentro dejó algún sabor agridulce, las grabaciones que sobrevivieron siguen encarnando (pese a sus más de 40 años de antigüedad) acaso el mejor y más arriesgado de todos los intentos de fusión que hubo entre el tango y el rock.

En otra escala, de un modo más amplio y menos visible, Norberto Minichillo fue una figura muy importante para comprender el nexo que el jazz ayudó a tejer entre el rock y el tango. Su incorrección política y su enfoque desestructurado le valieron reprobaciones en el mundo del jazz y ni hablar entre los tangueros puristas, pero Los Fabulosos Cadillacs lo invitaron a participar en el disco La marcha del golazo solitario (1999) y Flavio Cianciarulo (integrante de los Cadillacs) lo eligió como tutor de sus primeros discos solistas, en los que puede escucharse una versión de "Gricel" y un tema llamado "San Pugliese".

El trabajo de Alchourron, Minichillo o Saluzzi ayudó a trazar un puente entre rock y tango de manera marginal, oblicua, indirecta. Sin embargo, esos aportes ocupan hoy un lugar central pues abrieron un camino que otros retomarían planteando, ahora sí, un vínculo más directo entre tango y rock (puede verse, por ejemplo, en la música de Adrián Iaies).

¿Será que nací en el sur?

La banda que Charly García y David Lebón fundaron a fines de los años 70, Serú Girán, transpiraba tango en temas como "Bicicleta", "Los sobrevivientes" o el irónico "A los jóvenes de ayer". Apenas después, Juan Carlos Baglietto lanzó su primer disco, en el que se profundizaba el nexo entre ambas músicas. Sin duda, los años 80 marcarían un punto de inflexión.

Luego de la Guerra de Malvinas, con el retorno de la democracia, el rock argentino vivió un momento de magnificencia y enorme popularidad. Si bien hasta entonces se lo había resistido y marginado, una serie de factores políticos y artísticos lo llevaron a la aceptación y la masividad. No obstante, muchos músicos de tango seguían observándolo con muecas de desagrado. Héctor Varela, previsiblemente, lo tildó de frívolo y extranjerizante, a lo que David Lebón respondió cantando que "el tango ahora es rock 'n' roll" ("Sin vos voy a estallar").

Durante la primera mitad de la década del 80, García planteó que "escucho un tango y un rock / y presiento que soy yo", Spinetta grabó el tema instrumental "Tango cromado" y retrató el "Bajo Belgrano" de su infancia, Fito Páez escribió: "Suena un bandoneón,/ parece de otro tipo, pero soy yo" y cantaría años después que "lo del tango es una idea que me toca aunque no quiera", Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota citaron un pasaje de "La cumparsita" en el tema "Roto y mal parado" y el grupo Memphis La Blusera recogió el guante de las letras hiperurbanas que Javier Martínez y Manal habían plasmado, por ejemplo, en el "Avellaneda Blues" ("Luz que muere, la fábrica parece un duende de hormigón / y la grúa, su lágrima de carga inclina sobre el dock"), tan cercano a la "Niebla del Riachuelo" de Cobián y Cadícamo.

Pronto, además de admitir sus raíces, los rockeros se atrevieron a incluir tangos clásicos en sus repertorios. Así, Spinetta y Páez grabaron "Gricel", de Mores y Contursi, y marcaron una tendencia que profundizarían en la década siguiente Litto Nebbia, Celeste Carballo o Andrés Calamaro.

En este nuevo contexto, la figura de Roberto Goyeneche ocupó un lugar imprescindible. El Polaco había cantado con las mejores orquestas (la de Salgán, la de Troilo, la de Piazzolla) y, para muchos, era la gran voz del tango después de Gardel (a lo sumo, compartía el segundo puesto con Edmundo Rivero). Aunque se había iniciado con un estilo tradicional, ya en los primeros años 80 se había transformado en un diseur que nunca interpretaba las letras de igual modo (esta circunstancia hizo que se lo llegara a comparar con João Gilberto).

Así como Mercedes Sosa fue la primera cantante de música popular que elogió abiertamente a músicos de rock como León Gieco o Charly García, Goyeneche dio ese primer paso entre los "tangueros de ley". Después de halagar a Baglietto o a Alejandro Lerner, el Polaco pasó a la acción y en 1988 apareció en la película Sur , de Pino Solanas, dándose un abrazo de altísimo simbolismo con Fito Páez. Además, grabó sus tres últimos discos en el sello Melopea, de Litto Nebbia, y apadrinó a Adriana Varela, una mujer de extracción rockera con una actitud -sobre todo, en sus inicios- opuesta a la de la ortodoxia del tango.

El abrazo partido

Para que el tango renaciera en los años 90 fue fundamental que los jóvenes se acercasen a él. Esto ocurrió, en parte, porque la llamada "generación del rock" tendió puentes en su dirección: Litto Nebbia editó en su sello a muchos viejos músicos que las grandes discográficas estaban dejando de lado (Carlos García, Héctor "Chupita" Stamponi, Héctor Pacheco y otros), rescató tangos más o menos olvidados (como "Fuimos", de Dames y Manzi) e incluyó el bandoneón de Carlos Buono en su muy bella canción "La noche del colibrí"; Michel Peyronel (ex baterista de Riff, donde descollaba Pappo) fue uno de los fundadores de la primera radio FM dedicada exclusivamente al tango; Los Auténticos Decadentes grabaron una versión de "Siga el baile" con Alberto Castillo; Los Pericos versionaron "Por una cabeza"; La Mississippi Blues Band se atrevió con el clásico de Troilo "Noctuno a mi barrio".

El renacer del tango que se vio en los años 90 era inconcebible poco tiempo antes. Algo había cambiado y tenía que ver con la figura del Polaco Goyeneche, con la popularización de los primeros discos de su ahijada artística Adriana Varela y con la fundación de un canal de TV por cable (al estilo de los canales de videoclips) consagrado al tango. En esa señal de TV, Daniel Melingo condujo el ciclo Mala yunta , que establecía un vínculo concreto y explícito entre tango y rock.

El panorama se volvió mucho más rico y complejo. La banda Los Visitantes -liderada por Palo Pandolfo- abrigó aires tangueros ( Espiritango se titula uno de sus mejores trabajos) e incluso se animó a hacer una versión de "Sur"; Melingo comenzó a dedicarse al tango con un estilo que evocaba a Edmundo Rivero (y con los servicios, incluso, del poeta lunfardo Luis Alposta), y Omar Mollo tomó un camino similar. A estas experiencias se sumaron otras, como la del baterista Fernando Samalea, que había comenzado a tocar el bandoneón en los años 80.

Las letras de muchas bandas de rock también manifiestan que, a partir de los 90, se han ampliado los nexos. Tras admitir al tango como parte de la identidad ("huele a tango y rock and roll lo que te cuento", cantaba Alejandro del Prado en su "Tanguito de Almendra"), ya no hubo declaraciones tajantes y el tango apareció en forma menos explícita, más madura.

Hubo citas de los Redonditos de Ricota (por ejemplo, la frase "la vas de bailarín", del tango "Niño bien"), Divididos parodió cierta postura en "Volver ni a palos" y Los Caballeros de la Quema cantaron, en referencia a Nacha Guevara, "heavy tango, se ahorca un bandoneón, / te esperan en el horno / Pichuco y Bon Scott".

El primer disco de Almafuerte, Mundo guanaco , incluye una versión metalera del tango "Desencuentro", que se suma a la versión de "Cambalache" que había grabado Hermética en su álbum Intérpretes , de 1990. Los Piojos también introdujeron en su primer disco, editado en 1993, la versión rockera de "Yira-yira" y, años más tarde, pusieron un bandoneón en el tema "Gris".

A la banda platense Estelares se la ha vinculado en varias ocasiones al mundo del tango. Más allá de cierto espíritu melancólico y algunos fraseos, hay un hecho concreto: Manuel Moretti (el cantante del grupo) y Víctor Bertamoni (el guitarrista) tocaron durante años en un conjunto tanguero y en su segundo disco grabaron un tango de factura propia llamado "Camas separadas". Recordemos también que en 1996 surgió una importante banda punk con el nombre Los Gardelitos.

El arreglo

El abrazo entre tango y rock que se dio en los años 90 encontró no sólo una continuidad, sino también una profundización en los últimos años: a la idea de encarar tangos desde el rock se han sumado propuestas que toman el camino inverso. Basta con mencionar las versiones tangueras de canciones de los Redonditos que hicieron la Orquesta Típica Ciudad Baigón (tiene además un tango homenaje a los muertos en Cromañón), Altertango, La Vidú o la uruguaya Maia Castro. Sin embargo, la mayor agitación de los últimos tiempos la produjo el surgimiento del tango electrónico, que generó el primer éxito del tango-pop a escala mundial, si no se tiene en cuenta la versión de "Libertango", ya antigua, que hizo Grace Jones.

Los dos proyectos más conocidos de esta vertiente tuvieron como protagonistas a músicos surgidos del rock argentino de los años 70: Eduardo Makaroff y Gustavo Santaolalla. El primero formó parte de Los Hermanos Makaroff (aquellos que cantaban el "Rock del ascensor") y hace diez años armó el exitosísimo Gotan Project; el segundo fundó el grupo Arco Iris, precursor en la fusión entre rock y aires folklóricos, y años más tarde se convirtió en uno de los encargados del proyecto Bajo Fondo Tango Club y se puso al frente de Café de los Maestros. Otras propuestas que siguen esta línea, como la de Malevo (pionera, anterior a las dos mencionadas), son menos conocidas.

Mientras la fusión de tango y electrónica ha llegado a seducir al público masivo, el bandoneón parece dispuesto a ampliar sus horizontes. Músicos de diversas nacionalidades (la belga Myriam Alter, el brasileño Chico Buarque, el inglés Bryan Ferry y la griega Angelique Ionatos, por ejemplo) han incluido este instrumento en algunos de sus discos más recientes y, en algunos casos, lograron expandir los límites del tango con un grado de libertad que el rock (atado a algunas convenciones) parece poco dispuesto a prodigar hoy en día. Valga también el ejemplo de Marisa Monte, que acaba de incluir una versión en portugués de "El pañuelito" (de Juan de Dios Filiberto y Gabino Coria Peñaloza), con bandoneón y todo, en su flamante álbum O Que Você Quer Saber de Verdade .

Jóvenes de hoy

En los últimos años, el tango conoce un nuevo auge, ligado no sólo al baile. Los inconvenientes con los que chocaba en los años 60, 70 y 80 quedaron atrás. Desde hace más de una década, no es raro que una muchacha de 20 tome clases con un milonguero de raza ni que músicos de 25 años tengan un conjunto de tango. Los bandoneonistas han dejado de ser una especie en extinción y los turistas que aterrizan en Buenos Aires ya no deben buscar vestigios tangueros con paciencia de arqueólogo, como ocurría a mediados de la década de 1980.

En este nuevo contexto, las formas en que el tango y el rock se aúnan resultan difíciles de medir con los criterios anteriores. Ya no es el caso de un músico de rock acercándose al tango, o viceversa. Las agrupaciones surgidas a partir de los años 90 parecen integrar ambas influencias desde la cuna. La Chicana, por ejemplo, se presenta como una "banda de tango" que abraza, ya desde esa identificación, matices rockeros; la Pequeña Orquesta Reincidentes tomó elementos de la milonga o del rock para armar un cóctel explosivo con la música de los Balcanes; también se puede mencionar a Che Chino, un grupo de tango que funciona en paralelo a Las Manos de Filippi.

Otros grupos, sin eludir tintes rockeros, imitan a formaciones históricas del tango. En esa línea, cabe destacar a Las Muñecas, un conjunto de guitarras al estilo de las que acompañaban a Carlos Gardel, o a la Orquesta Típica Fernández Fierro, que emula, con mucho rock encima, a las orquestas de tango de los años 40, en las que -por una cuestión de volumen- varios instrumentos tocaban las mismas notas al mismo tiempo. La Fernández Fierro tiene su propia sala de conciertos y sigue muchos preceptos de Osvaldo Pugliese, quien -dicho sea de paso- se ha convertido en una suerte de talismán de la buena suerte ("siempre mencionamos a Pugliese", canta Gieco en "Los salieris de Charly"), a tal punto que algunos rockeros llevan consigo estampitas de san Pugliese, patrono de la música argentina y "antimufa".

Tampoco hay que olvidar casos como el disco Fisura expuesta , de Juan Subirá (tecladista de la Bersuit), las murgas y milongas de Ariel Prat, las incursiones musicales de Daniel "Pipi" Piazzolla (nieto de Astor y colaborador del grupo de rock Giusti Funk Corp, cuyo segundo disco se llamó Arrabal eléctrico ) y de la existencia de agrupaciones como Buenos Aires Negro, Romina y los Urbanos o una banda de Lugano llamada La Tango Rock.

Ya no sorprende a nadie que el marplatense Alfredo Piro (hijo de Osvaldo Piro y Susana Rinaldi y hermano menor de la cantante Ligia Piro) sea capaz de interpretar una tanguerísima versión de "Llorando en el espejo" (Charly García), o que Altertango, un grupo de la ciudad de Mendoza, grabe "No soy un extraño", también de García (canción que Luciano Supervielle versiona en francés y con bandoneones), y que desde su primer álbum, editado en 2002, combine con absoluta naturalidad el repertorio de Gardel, Troilo, Discépolo o los hermanos Expósito con el "Rock yugular" de los Redondos o las "Tumbas de la gloria" de Páez.

La trayectoria de la canción "A los jóvenes de ayer" (Charly García) ilustra muy bien esta historia de encuentros y desencuentros. Grabada originalmente por el grupo Serú Girán como crítica al establishment del tango oficial ("grandes valores del ayer", dice en alusión al programa de TV que entonces conducía Silvio Soldán: Grandes valores del tango ) o de los bares de la zona de Sadaic y a la actitud de llorar el pasado, la canción abre el nuevo CD del grupo La Chicana, que, ya desde el título ( Revolución o Picnic ), parece revisitar el pasado con desparpajo, combinando temas propios con un popurrí de tangos chinos, una canción de Tom Waits y otro tema de Charly García: "Por probar el vino y el agua salada" (La Máquina de Hacer Pájaros). Lo que a inicios de los años 80 era una canción de ruptura (y una toma de posición desde sus aires claramente piazzollianos) se ha vuelto treinta años después una especie de puente. La canción, según reza el librito que acompaña al CD, es "una perla del rock tanguero" y, si La Chicana quiso plasmar una versión exenta de irreverencia, esto se debe, como explican, a que "ya no somos jóvenes de hoy". Toda una postura ontológica frente al juvenilismo del primer rock.

2011-12-29T07:57:00.001-08:00

Miguel Angel Zotto, padre de gemelos a los 53

La noticia entró a mi mail hace unos minutos y, con la pompa que requiere el caso, nos enteramos que Miguel Angel Zotto de 53 años y su pareja Daiana Gúspero, de 22,…. serán padres de ¡gemelos! dentro de cinco meses. Y por si a los “cholulos” les quedaban ganas de saber detalles del feliz acontecimiento, he aquí un textual de la gacetilla en cuestión:

“Los bebés fueron engendrados en Italia, después del Festival de San Remo donde Zotto y Dai fueron invitados especiales del certamen. Con notable éxito. Zotto partirá nuevamente a Italia este 27 de Setiembre, regresando a principios de Diciembre. Dai ya no lo podrá acompañar en esta gira, por prescripción médica. Tiene que cuidar los bebés.”

elongaciónxelongación

2011-10-27T16:00:00.001-07:00

elongaciónxelongación

segunda edición

Modelo: Lorena Sabena. Foto: Jorge García
En este libro, Alfredo Gurquel recopila una serie de ejercicios que forman parte del método que elaboró durante 40 años, basado en la biomecánica corporal.
En su método, Alfredo Gurquel se ha centrado en la elongación, como punto de partida para toda actividad física.
Los casi doscientos ejercicios que se describen en el libro con sus respectivas fotografías, están destinados a profesionales del arte de la danza, deportistas y practicantes de artes marciales, y también para toda persona interesada en trabajar el cuerpo, respetando su funcionamiento, cuidándolo y perfeccionándolo.
Es simple cuestión de intentarlo para comprobar los benéficos resultados a corto plazo de una tarea bien programada y consciente por parte del practicante.

El tango ya es historia

2011-10-27T15:19:00.000-07:00

El dúo libre español de natación sincronizada se lleva el bronce con una coreografía vanguardista

DIEGO TORRES - Shanghái - 22/07/2011

Andrea Fuentes y Ona Carbonell conquistaron una medalla de bronce en la penúltima jornada de finales de natación sincronizada de los Mundiales de Shanghai y dejaron para el recuerdo cuatro minutos de historia, de natación elevada a la categoría de arte. Fue una prueba físicamente extenuante compuesta a partir de música de tango para una coreografía ambiciosa, algo nuevo, algo que rompe con la ortodoxia de un deporte históricamente conservador. Las Rusas ganaron el oro por la perfección técnica con que clavaron su largo repertorio de maniobras. Las chinas se llevaron la plata porque las amparaba su público, porque China tiene mucho que decir en los pasillos del estadio de Shanghai, y porque los jueces valoraron menos la poesía que la ausencia de imperfecciones.

La noticia en otros webs

Las gemelas Jiang, dos chinas de 25 años, nadan juntas desde que tienen uso de razón. En 2006 comenzaron a trabajar directamente para el estado Chino, que las preparó para que compitieran por el oro en el dúo de los Juegos de Pekín. Desde entonces han ido cuajando una obra sólida. Los resultados se apreciaron en la final del dúo libre, en donde ejecutaron perfectamente una coreografía banal con un toque efectista en la última figura. Un golpe de efecto de piernas entrecruzadas que debió impulsar a los jueces a darles la medalla de plata con una puntuación de 96.810 puntos.

El resultado fue que las españolas, que lograron 96.650 puntos, se quedaron al borde de la plata. Decepcionadas, dolidas, tal vez culpándose por los errores de sincronización que tuvieron en la última parte del ejercicio, pero animadas por su entrenadora, Ana Tarrés. La responsable del equipo era consciente de que lo que habían conseguido Andrea Fuentes y Ona Carbonell había sido mucho más que una medalla: "Las chinas llevan cinco años entrenando juntas. Ona debe entender que lo que ha hecho en dos años ha sido una hazaña".

Estados Unidos, Francia, Canadá y Japón, potencias tradicionales en este deporte, no pasaron de los 95.000 puntos. Gran Bretaña, que prepara un equipo para competir por los podios en los Juegos del año que viene, se quedó a 88.000 puntos. El nivel de la competición es el que dictan otros. Rusia, el líder absoluto en todas las pruebas, China, el poder económico emergente, y España, que con menos recursos y menos tradición se ha incrustado entre los más grandes con lo que posee en exclusiva: dosis de creatividad, capacidad de improvisación, talento narrativo y genio artístico.

Video bailarines encarcelados

2011-09-05T07:14:00.000-07:00

Coreógrafo de Michel Jackson

¡¡¡Espectacular!!...y maravillosa forma de soltar los "malos humores"No te lo pierdas.

Son prisioneros en Filipinas, a los que se les enseña danza moderna y ahí vuelcan su agresividad, me parece muy buena idea además de buen espectáculo.

-Bailarines reclusos -

¿Recuerdas cuando varios prisioneros bailaron la coreografía de "Thriller"? Ahora lo han vuelto a hacer, usando el baile de "They Don't Care About Us" que aparece en el concierto de "This is It".

El coreógrafo de Michael Jackson, Travis Payne, confesó al site Yahoo que el cantante había visto el baile de los 1,500 hombres encarcelados y le había gustado su detalle.

Ahora, Payne se encargó de visitar la prisión de Cebú, en Filipinas, para realizar una nueva propuesta a los prisioneros: Un nuevo baile. Y en tan sólo una semana, consiguieron otro gran número musical. ¿Quieres verlo?

Mira al coreógrafo de Michael Jackson acompañado de miles de prisioneros en el nuevo baile...

El baile es obligatoria para todos los 1.600 detenidos en Cebú excepto los ancianos y los enfermos.

Cebú es una provincia de Filipinas, situado en el centro de la región de Visayas. Consiste en la isla de Cebú y otras pequeñas islas cercanas.

http://www.youtube.com/watch_popup?v=mKtdTJP_GUI

2011-09-02T08:28:00.000-07:00

CADA ZAPATO CUENTA UNA HISTORIA

Pantuflas, chanclas o chancletas, zuecos, botas, doctor Martens, zapatos de baile, zapatos en serie y zapatos hechos a mano. Zapatos que se desgastan, se reparan y se heredan, zapatos guardados y olvidados, los zapatos elegantes que dañaron unos pies y embellecieron otros. Zapatos de muchos estilos y tallas, los que se muestran en una curiosa exposición en Estocolmo. Zapatos desde el Siglo XVII hasta nuestros días.Los zapatos son más que una mera protección para el pie. El desgaste, las reparaciones y las alteraciones pueden decirnos cosas de las personas que los poseyeron y cuando fueron usados.
Los zapatos también revelan cómo nos relacionamos con el mundo de alrededor y cómo quisiéramos que los demás nos vieran. Transportan una imagen, una señal de pertenecer a un grupo social, una muestra del rol que desempeñas y de tu estatus social.
¿Qué develarían los tuyos?

2011-08-08T10:29:00.000-07:00

Bailar aumenta la rapidez mental y la autoestima
Por Lorena Guzman H.

SANTIAGO, Chile.- Mover el cuerpo a un determinado ritmo es parte del ser humano, dicen los especialistas. Todo comenzó con los primeros intentos de comunicación del hombre cuando aún no había lenguaje, pero luego se convirtió en parte de la cultura y, por sobre todo, en una forma de pasarlo bien.

El Centro de Psicología del Baile de la Universidad de Hertfordshire descubrió que el baile no sólo mejora el ánimo, sino que también ayuda a la autoestima, a la búsqueda de pareja e, incluso, a mejorar la vida de quienes tienen Parkinson.

"Bailar es fundamentalmente instintivo", dice Peter Lovatt. Bailarín profesional y psicólogo, este inglés decidió unir ambas pasiones para estudiar los efectos de la danza en el cerebro. Lo que ha encontrado es de lo más variado.

"En sociedades como la inglesa y otras europeas, en general, la gente baila más cuando está buscando pareja -dice-. Esto es evidente con la gente joven, pero también se ve un alza cuando se está en la edad promedio del primer divorcio. En el Reino Unido, hay muchas discos para «mayores de 30» o clubes de salsa que son muy populares entre hombres y mujeres por igual."

Pero el estado civil no es lo único que puede revelar las destrezas rítmicas. Un estudio hecho en discotecas descubrió que los hombres son más atractivos al bailar cuando tienen altos niveles de testosterona, mientras que las mujeres lo son cuando están en la etapa fértil de su ciclo.

"Las mujeres fértiles mueven pronunciadamente las caderas y casi no agitan otras partes del cuerpo -explica el psicólogo-. Pusimos detectores de movimiento oculares a los observadores masculinos y su vista se centraba en las caderas, foco que consideraron atractivo. Pero si estaban frente a una mujer que meneaba todo su cuerpo por igual, la vista de ellos se dispersaba provocando la pérdida del interés en ellas."

Lovatt también quiso saber qué pasa con la autoestima y el desempeño del bailarín. Luego de encuestar a casi 14.000 personas, concluyó que las mujeres se sienten más seguras al bailar que los hombres, pero que ambos tienen altibajos de confianza.

Ellas bailan sin temor desde la preadolescencia hasta los 16 -momento en el que aparece el temor al ridículo-, y al entrar en la veintena recobran la confianza, descubrió Lovatt. En cambio, los hombres entran en confianza lentamente y en forma sostenida hasta que pasan los 30, momento en que la pista de baile los vuelve a intimidar. Sólo a mediados de los 50 ellas vuelven a confiar en su baile, mientras que ellos lo logran pasados los 60.

Pero el baile no sólo cambia las percepciones internas y externas, también tiene consecuencias en las acciones. "Moverse al ritmo de la música tiene efectos tanto psicológicos como fisiológicos. Entre estos últimos están la producción de hormonas y cambios en el ritmo cardíaco, presión sanguínea y el tono muscular."

Incluso, agrega Lovatt, agiliza la mente. Tras seguir una rutina de pasos dada -como la coreografía de "Macarena"-, aumenta significativamente la velocidad con que el bailarín resuelve multiplicaciones simples. Pero si esa misma persona pasa 15 minutos bailando con pasos improvisados, su capacidad mental mejorará para resolver problemas con más de una respuesta correcta.

La conclusión, dice, es que bailar sirve para el cuerpo y para la mente. ¿Tiene miedo al ridículo? No lo tenga, se trata de "dejar los complejos, relajarse y ser libre".

EL TANGO Y EL PARKINSON

Estudios recientes han comprobado que personas con Parkinson que han tomado clases de tango recuperan visiblemente la estabilidad al caminar y mejoran su movilidad. En el Centro de Psicología del Baile quieren evaluar si bailar puede retardar el inicio de esa y otras enfermedades degenerativas..

2011-08-07T07:07:00.000-07:00

Lindy Hop

Descripción

De Wikipedia, la enciclopedia libre

El Lindy Hop es un estilo de baile popularizado en Nueva York por bailarines afro-americanos en una sala de baile llamada Savoy Ballroom.

A mediados de la década de 1920 los bailarines del Savoy bailaban el estilo Charlestón, incorporando elementos de otros estilos como el "Texas Tommy", el "Black Bottom" y el "Cakewalk". El Lindy Hop nació cuando estos bailarines empezaron a incorporar posiciones abiertas intercalándolas con las tradicionales posiciones cerradas. Esta apertura de posición es en lo que se conoce como 'Whip' o 'Swing Out'.

Se dice que el nombre 'Lindy Hop' surgió en 1927 en el Savoy Ballroom durante un concurso de baile en conmemoración al famoso vuelo de Charles Lindbergh a través del Océano Atlántico.El Lindy Hop se extendió por todos los EE.UU. La edición de la revista Life del 23 de agosto de 1943, declaraba el Lindy Hop como "baile nacional". Con el tiempo, el Lindy Hop evolucionó en una variedad de estilos de swing, como West Coast, Jive, Boogie Woogie, Balboa, Wendy, etc.

Técnicamente, tiene un paso básico de 8 tiempos y se define a partir de su patrón básico de "swing out" o "whip". En estos patrones básicos, la estructura de baile tiene forma rectangular y alargada y los bailarines giran simultáneamente sobre un eje central. Este eje tiende a permanecer en el mismo sitio en lugar de moverse sobre la pista.

Sandalias de baile preciosas!

2011-04-26T04:35:00.000-07:00

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2011-04-02T07:59:00.000-07:00

Tango 2011.03.04 (ini).MPG

2011-03-20T06:17:00.000-07:00

"El Calzado ideal para bailar"

2011-03-12T08:15:00.000-08:00

Existe un zapato de baile ideal para cada disciplina y la nuestra es la danza.
Cada estilo de baile requiere un calzado especial, con un diseño exclusivo variando sus materiales. Todo bailarín sabe de su importancia, pero para los que se están adentrando en el mundo de la danza de salón; trataré de darles una ayuda y un pantallazo sobre el tema.
Existen diferentes tipos de calzado, alturas de tacón y anchuras de zapato, para que se adapten a cada pie.Puesto que son para bailar; la comodidad es fundamental. Cualquier bailarín que practica determinado estilo, necesita un calzado conveniente para el mismo.

Los Pies proporcionan un apoyo a nuestra estructura corporal, pero también los utilizamos para movernos y detenernos, para realizar acciones rítmicas, de propulsión y absorción de choques y para mantener el equilibrio.
Nos llevan de un lugar a otro, soportando nuestro peso, más las exigencias requeridas durante el día; los vestimos con diferentes calzados para proteger y lucir a nuestros pies. Y pocas veces cuidamos la salud de éstos.
Haré hincapié en el calzado para bailes de salón, que es el estilo de baile que practico. Muchas veces escucho decir: “Estos zapatos son incómodos para bailar”, y más de una ves culparon al calzado, por ejecutar un paso mal o porque no, salió bien la coreografía. Lo cierto es que un buen bailarín, puede bailar hasta descalzo o con alpargatas; tal vez tengan problemas pero bailará.
Los distintos tipos de piso nos obligan a usar distintos tipos de suela. Un bailarín llega a tener más de un par de zapatos, variando los tipos de suela o material, ya que en algunos casos se necesitara más adherencia y en otro, ser más deslizante.
Los bailarines siempre estamos en busca del “zapato perfecto”, que cumpla con nuestras exigencias, para poder destacarse en mayor o menor medida.
Por suerte existe una amplísima variedad especialmente diseñados y fabricados para el lucimiento y confort del bailarín, dando varias opciones.
Un buen calzado nos dará seguridad para ejecutar nuestros pasos más acrobáticos, pero los beneficios de unos buenos zapatos no terminan ahí. También ayudan a una buena postura y nos dará, un toque de estética y elegancia.
Un bailarín con el tiempo se vuelve más exigente y así como elige, sobre que piso bailar, tiene sus zapatos preferidos para bailar y no siempre son los más bonitos y nuevos. Muchas veces el favorito de un bailarín tiene tanto uso que se amoldo al pie, resultando ser muy cómodos y los preferidos por parte de este; tal vez no sean bonitos y último modelo, pero si el resultado que da a la hora de bailar es bueno, será difícil deshacerse de ellos.
La comodidad es muy importante para un bailarín. Por suerte existen diferentes diseños con variadas alturas de tacón y diferentes anchuras. Construidos con materiales como cuero, gamuza, charol, aunque también hay otros materiales y en el caso de la mujer, con detalles, laminados, con brillos etc.

Muchas veces veo en la pista a bailarines, y sobre todo, mujeres con el calzado equivocado, luciendo un calzado que queda muy elegante y hasta combinan con la vestimenta y son muy modernos pero solo sirven para eso y a plena vista se ven muy bonitos pero convengamos que la mayoría de esos zapatos no son nada cómodos.
No son confortables, entorpecen y no dan seguridad. Con el tiempo el bailarín se pone más exigente por lo que toman conciencia llevan un calzado extra para bailar, aparte del que usan par vestir o caminar.

Las mujeres no son las únicas, los hombres no se quedan atrás, van a bailar con zapatillas. Para mí es lo mas anti- estético, ni hablar del daño que le producen a su rodilla, también afea la postura y la imagen. Pero gustos son gustos y el daño que le producen a su rodilla se ve con los años.
Alguien dijo: “ Los Zapatos de baile hay que elegirlos con los pies, no con la vista.”
A la hora de elegir tus zapatos de baile debes buscar que sean cómodos, resistentes y de buena calidad.
Que nos brinden seguridad, el calzado debe sostener el pie adecuadamente.
Las suelas pueden ser de cuero, que permite un mayor deslizamiento por el suelo, de cromo o de goma, elemento que hace posible una mayor fijación a la superficie sobre la que se esté bailando.
Con respecto a los tacos, en el caso de los hombres, puede encontrarse el taco pastel, que es el normal, él más bajo, el taco francés, que mide 4 cm. , y el taco inglés, también alto, pero que se va estrechando hacia la base, facilitando así al bailarín la realización de las coreografías. En los zapatos de mujer, los tacos presentan distintos grosores (entre ellos el taco chupete, que al comenzar muestra una pequeña curvatura) y alturas, oscilando, entre los 5,5 cm. y los 8,5 cm. , aproximadamente.

Damas y Caballeros no todo lo bello es lo que parece! Prueben el zapato caminen, pongan a prueba su equilibrio y lo que se les ocurra para aprobar el calzado.
Tengan en cuenta, los de piel son los más fuertes; se les puede dar mas uso y lo ideal seria que sean artesanales; también son los más caros.
Un calzado nuevo por lo general, es normal que resulten un poco duros, sobre todo los de piel pero no tardaran en amoldarse a los pies.
Claro que la estética es importante a la hora de lucir un par de zapatos, por eso la elección de los materiales y diseños, colores, para combinar con nuestra indumentaria dependerá de nuestro gusto.
Dado que más allá de las cualidades que posean para la danza, los calzados pueden ser elegantes y llamativos, resistentes y cómodos, cualidades que proporcionan toda la movilidad y la estabilidad esencial para ejecutar giros y piruetas realizados por nuestros pies aparentemente incansables.
Gabriel Zelarayán (Chango)

"Guaguancó"

2011-03-05T06:37:00.000-08:00

Guaguancó

El guaguancó es un tipo de rumba, que se originó en Cuba a raíz de la abolición de la esclavitud en la Isla en 1886. El guaguancó representa una fusión de varios rituales profanos afro-cubanos conocidos como rumbas. Las otras dos variedades importantes son el yambú y la columbia. Los bailadores del guaguancó se mueven al ritmo de los instrumentos de percusión rodeados de un coro dirigido por un solista, que realizan una coreografía altamente erótica. El hombre va en busca de la mujer con fuertes movimientos pélvicos muy expresivos. Ella a su vez, lo evade y rechaza, hasta finalmente someterse a sus avances. El acto final significando la conquista realizada se conoce como el vacunao.

Muchos, si no la gran mayoría, de los guaguancós eran composiciones anónimas. Las más antiguas datan de finales de la era colonial española en la Isla y se conocen como "rumbas del tiempo de España". A pesar de sus ritmos netamente africanos, el guaguancó revela ciertas influencias españolas, especialmente en sus manifestaciones flamencas y de las décimas campesinas en los textos. Según Mongo Santamaría, uno de los intérpretes más conocidos de este género, el guaguancó surgió cuando los afro-cubanos intentaron cantar flamenco.

"Little Swans" - funny parody by Takane Dance World

2011-03-02T16:50:00.000-08:00

"DANZA DEL VIENTRE"

2011-01-26T15:24:00.000-08:00

DANZA DEL VIENTRE

Uno de los primeros pasos para convertirte en una bailarina envidiada es conocer los principales movimientos de la danza del vientre.

Atrévete! a bailar uno de los bailes más antiguos de los países de oriente medio, norte de África, Turquía, etc.

¿ Qué es?
Es la máxima expresión de la feminidad en el mundo del baile toma forma en un estilo con identidad propia, la danza oriental, más conocida como la danza del vientre.

¿Cómo se baila?
Es bailada al ritmo de la música árabe de antigua tradición cargada de sensualidad y erotismo, está basada en una serie de suaves movimientos circulares y ondulantes en los que participa prácticamente todo el cuerpo, y no sólo las caderas, músculos abdominales, glúteos, piernas, etc.

Unos de sus rasgos más bellos es su capacidad para disociar y coordinar a un mismo tiempo distintas zonas corporales, por ejemplo, los brazos pueden moverse a un ritmo diferente del marcado para la cadera o pelvis.

Quienes piensan que la danza del vientre es toda una provocación sexual desconocen la auténtica filosofía de un estilo que únicamente transmite como ningún otro la belleza y espiritualidad femenina.

¿Cuáles son sus beneficios?
Se leatribuye a esta milenaria técnica de baile múltiples beneficios entre los cuales sobresale, su capacidad de conectar a la mujer profundamente con su feminidad.

Beneficios en cuestiones de salud física:
La práctica continuada de la danza del vientre, es capaz de fortalecer la estructura muscular y el sistema nervioso, corrige los malos hábitos posturales, desarrolla una mayor flexibilidad de las articulaciones, mejora el estado de los huesos, conserva la juventud de la columna vertebral, influye en el funcionamiento de los órganos sexuales internos de la mujer, alivia los síntomas menstruales y de la menopausia, mejora el funcionamiento del sistema cardiovascular, tránsito intestinal, etc.

Veronica Massini y grupo GamourDance Tango ModernoYesterday

2011-01-26T14:50:00.000-08:00

"La zapatilla ideal para cada pie."

2011-01-23T04:09:00.000-08:00

La elección de un calzado adecuado para cada actividad y tipo de pisada reduce el riesgo de lesiones:

Elegir zapatillas no es tarea fácil. La abrumadora oferta de marcas y modelos confunde desde la vidriera de la casas de deportes. Y es así como la elección suele quedar librada al más o menos certero consejo del vendedor o a nuestro no siempre bien adiestrado criterio.

"La gente elige zapatillas por lo estético. A veces tiene suerte, pero otras veces, no, y elige un calzado que no es adecuado para su pisada ni para sus requerimientos de estabilidad o amortiguación", asegura Gustavo Güerzoni, licenciado en kinesiología y fisiatría, coordinador del Nike Running Lab.

"Es fundamental, también, tener en cuenta el tipo de uso que se les va a dar -agrega Fernando Colombo, Category Manager de Runing de Adidas-, así como el peso del corredor, ya que, a mayor peso, más importante es tener una mejor amortiguación y soportes para que el pie y sus articulaciones no sufran los impactos.

Usar un calzado inadecuado para realizar actividad física no sólo atenta contra el rendimiento esperado, sino que aumenta el riesgo de sufrir lesiones o, dicho de otra forma: "Hay alteraciones de la pisada que pueden llevar a sufrir una lesión, y usar el calzado adecuado es la forma de prevenirlas".

Dime cómo pisas...

Existen tres tipos de pisada: neutra, pronadora o supinadora. La pronación es la rotación hacia adentro del eje longitudinal del pie y, si bien es una respuesta natural del pie para disipar la carga que recibe a cada paso, existen distintos grados de pronación. Y a mayor severidad, mayores son los riesgos de lesión.

"El 90% de las afecciones de miembros inferiores se relacionan con la sobrepronación, que, a su vez, suele estar asociada al pie plano -comenta Güerzoni-. Al igual que las personas de mayor peso corporal, los sobrepronadores necesitan un calzado con máxima estabilidad."

La pisada supinadora, por el contrario, es aquella en la que el pie rota hacia afuera de su eje longitudinal. "Esta pisada se debe, generalmente, a un pie con un arco muy pronunciado -señala Colombo-. Este tipo de pie es muy rígido y carece de movilidad para amortiguar, por lo que puede sufrir distintas lesiones."

La pisada neutra, según aclara, no tiene problemas por corregir. Pero ¿cómo conocer el tipo de pisada propia? Si bien hay signos que pueden delatarlas -los pronadores deforman las zapatillas en su cara interna, mientras que los supinadores gastan rápidamente su cara externa-, hoy existen estudios que permiten realizar una evaluación precisa de la pisada.

Uno de los más modernos es el sistema Footscan. "Consiste en una plataforma con más de 8000 sensores que captan las diferentes presiones realizadas tanto en forma estática como dinámica, durante las distintas fases de apoyo del pie durante la marcha", explica Güerzoni.

Esta evaluación de la pisada arroja, en cuestión de minutos, valiosa información sobre el tipo de pisada y sobre la existencia de alteraciones de la estabilidad en distintas partes del pie, al mismo tiempo que informa sobre cuáles son los puntos de presión o hiperpresión al pisar.

Todo ese cúmulo de información permite determinar cuál es el tipo de calzado más adecuado (para pisadas pronadoras, neutras o supinadoras), y sirve también para la elaboración -en caso de ser necesarias- de plantillas correctivas, funcionales o que aporten un mayor confort.

"Hoy en día, existe una gran diversidad de materiales para las plantillas, que a partir de un preciso diagnóstico de la pisada pueden utilizarse para diseñarlas y personalizarlas, brindando la solución ortopédica necesaria, según peso y edad", afirma Güerzoni.

"Muchos atletas de elite ya están utilizando las plantillas, aun teniendo una pisada considerada normal, con el objetivo de asegurarse estabilidad y confort", concluye.

1000 km
Es la vida útil de un calzado

En promedio, un calzado deportivo puede brindarnos sus servicios entre 800 y 1200 km, no más.

90%
De las lesiones

En miembros inferiores, como la tendinitis del talón de Aquiles, se asocian a pisadas sobrepronadoras.

Domingo 23 de enero de 2011 Publicado en edición impresa

Sebastián A. Ríos
LA NACION

"Tango argentino"

2011-01-16T07:28:00.000-08:00

El Tango argentino es un baile y es mucho más que eso.... Es un sentimiento que te impregna, haciéndote vibrar con la música y con el otro, es un juego de dos: las miradas se cruzan, uno y otro se escuchan, abrazo..., respiro el perfume, la pasión, la calma hasta que uno propone y el otro va, confiando, sintiendo, compartiendo todo lo que le invade en ese momento, latiendo con la música en ese único "abrazo bailado" así es el Tango argentino.

Gilberto Santa Rosa Vocaliza,Me gustan las Navidades

2010-12-29T15:40:00.000-08:00

2010-10-08T08:01:00.000-07:00

Los reyes de la milonga

Hay cada vez más lugares para bailar el tango, y en ellos mandan los DJ ´s , convertidos en figuras internacionales

Viernes 8 de octubre de 2010 Publicado en edición impresa de La Nación de Argentina

Horacio Godoy está orgulloso de su local, La Viruta: es una de las milongas más populares de Buenos Aires. Ver mas fotos

Por Marina Gambier
LA NACION

Hace poco menos de 15 años, Félix Picherna, que entonces le ponía música a la milonga más tradicional de Villa Urquiza, tomó el micrófono y, como era su costumbre, hizo una breve introducción para anunciar la tanda de temas que seguían. Le gustaba hacer el papel de maestro de ceremonias. Había debutado en 1958 en el Club Viento Norte y, a sus casi 60 años, ya era considerado el decano de los disc-jockeys de tango. Sin embargo, vivía con lo justo en una piecita cedida por el club. "Señoras y señores, se hace presente en la pista del Sunderland Club el maestro Carlos Cayetano Di Sarli", dijo, dando por sentado que todos los presentes conocían al famoso compositor y director de orquesta, muerto en 1960. Pero la milonga ya no era la misma que décadas atrás: aquella noche, entre la concurrencia había jóvenes. Un parroquiano que estuvo presente cuenta que un bailarín principiante, buscando con la mirada entre el público, preguntó: "¿Dónde, dónde, che? ¿Cuál es Di Sarli?".

La anécdota ilustra un fenómeno que despuntó a comienzos de los años 90 y que tomaría una dimensión planetaria en los años posteriores: los hijos empezaban a interesarse por la música de sus padres, y Picherna, casi sin proponérselo, inauguraba con su estilo un camino estelar para el desarrollo de un oficio que antes había pasado inadvertido y que en los últimos tiempos alcanzó una relevancia insospechada en la escena del 2x4. Además del poder de convocatoria del organizador, de la calidad del piso y el servicio de bar, el musicalizador devino en pieza fundamental dentro del engranaje de la milonga. Desde su cabina, ya sea con la computadora o con los discos, es el responsable de encender el fuego de la pista. En otras palabras: debe lograr que la gente se levante de su silla y baile, porque para eso, y no para otra cosa, pagó la entrada. El crecimiento de su figura dentro del circuito de las tanguerías es consecuencia directa del fanatismo que volvió a despertar en el mundo la danza rioplatense desde que el espectáculo Tango argentino se consagró en el City Center de Brodway, Nueva York, en 1986.

"Eran unos 15 bailarines entrados en años, y a veces en kilos, bailando ese favorito viejo y decadente, el tango. Cuatro cantantes llorando sus penas en español y una orquesta cargada de bandoneones. Las mujeres venían vestidas de negro; los hombres se engominaban. Al calor del espectáculo, surgieron bailarines en todo el mundo", decía en una entrevista con LA NACION el coreógrafo Claudio Segovia, creador de aquel show, en el que participaron, entre otros, Juan Carlos Copes, María Nieves, Milena Plebs y Miguel Ángel Zotto, la elite del ambiente.

Video: dj´s de tango, el alma de la milonga

Aquel éxito detonó un boom que dura hasta hoy y que algunos han dado en llamar la tercera globalización del tango, después del tango cantado de Gardel, en la década del 20, y de la música de Astor Piazzolla, en la del 60. En Buenos Aires se fueron multiplicando los salones. A la devoción de una nueva generación de argentinos se sumó la oleada de extranjeros que cruzaron el océano (y siguen cruzándolo, favorecidos por la devaluación de la moneda local) para aprender la técnica y los códigos del baile, que siguen siendo los mismos que al principio de los tiempos [ver recuadro]. Lo que nadie, ni los mismos protagonistas, imaginaba es que esa resurrección, que parecía tan poco probable, generaría una fuente de trabajo para los viejos milongueros que sostuvieron el tango cuando, en la década del 60, lo daban por muerto.

Los que vieron el filón del negocio se reciclaron y ahora son profesionales que integran la legión de docentes que recorren Europa, Asia y Estados Unidos, enseñando y participando en festivales. Y hasta tienen cuentas en Twitter y perfiles en Facebook, la bitácora de sus travesías internacionales. En la "tangósfera" hay lugar para todos. Los más viajados aseguran que existen aproximadamente mil milongas en distintos rincones del planeta. Según el sitio milmilongas.com , sólo en Berlín hay 35, ocho en Bruselas, cuatro en Taipei y 25 en Roma, varias de ellas musicalizadas por el eterno Picherna. Hace ya 12 años que él ejerce su oficio en Italia, donde es una celebridad que ha inspirado libros y documentales de cine. Los fines de semana, toma el tren desde Roma y recorre las ciudades vecinas con su valijita llena de cassettes, porque a él no lo convencen las tecnologías del siglo XXI. Segundos antes de arrancar la tanda, cuentan, se lo ve rebobinando las cintas con una birome.

"Gracias a él los DJ de tango tenemos el camino hecho. Nadie nos invitaría a Europa si no fuera por todo lo que él anduvo antes", dice Damián Boggio, uno de los primeros musicalizadores del siglo XXI. Esta entrevista se realizó vía Facebook porque, como todos los años desde 2004, Boggio pasa tres meses de gira por Suiza, Rusia, Gran Bretaña, Alemania, Corea, Japón, Taiwán, Holanda, Turquía e Italia. "Cuando empecé, en 1999, era el más joven. Yo formo parte de una generación que llegó al tango después del rock, de la universidad, después de tantas cosas... Aprendí aconsejado por los viejos bailarines, que me fueron enseñando sobre orquestas y ritmos. Después de la caída del uno a uno, el tango bailado se transformó en una moda mundial y también en una fuente de trabajo. Primero surgieron profesores y maestros de danza, y después, naturalmente, aparecieron los disc-jockeys de tango", agrega Boggio.

Cambalache siglo XXI

Todavía suena esnob usar la expresión inglesa d-jay para referirse al pasadiscos, ese operador anónimo encargado, originalmente, de apoyar la púa sobre la pista del vinilo. Las primeras grabaciones aparecidas en el mercado eran de pasta y se usaron casi exclusivamente en las reuniones familiares, porque los bailes públicos se organizaban en torno a las grandes orquestas surgidas durante la edad de oro del género, desde la década del 40 hasta mediados de la del 50. Los sábados había hasta quince agrupaciones de primer nivel tocando en algún club de la Capital Federal. La concurrencia bailaba toda la noche al compás de esa única orquesta, que hacía dos o tres entradas de veinte minutos. Los músicos eran ídolos, en especial los cantores. A veces nadie bailaba, con tal de contemplarlos. "Por ejemplo, durante los carnavales Huracán contrataba a Troilo; Independiente, a Di Sarli, y así. Era una fiesta. La ciudad entera se había puesto a bailar. Eso duró hasta 1955, cuando se produjeron dos heridas mortales para el género: el rock y la Revolución Libertadora, que había sacado de la calle a la gente común", recuerda Osvaldo Natucci, DJ de reconocida trayectoria. Debutó a los 17 años en el Club Defensores de Florida, donde a los 6 había escuchado por primera vez a la orquesta de Aníbal Troilo. Hoy trabaja en Italia la mitad del año, pasando música y dictando conferencias sobre la historia del tango en la Universidad de Bolonia.

A partir de la turbulenta década del 60, las orquestas típicas fueron disolviéndose. Como era muy costoso contratarlas, los clubes y salones empezaron a recurrir a las grabaciones. En el interior, adonde nunca llegaban las orquestas, ya usaban ese soporte. Por lo general, la tarea quedaba en manos de un empleado del club o de un socio aficionado. "Ignoro cómo trabajarían, si habría dos bandejas o sólo una, pero lo cierto es que el club usaba sus propios discos y que anunciaban el programa en una pizarra -explica Gabriel Soria, vicepresidente de la Academia Nacional del Tango-. Colocaban, por ejemplo: ´Esta noche, baile con Osvaldo Pugliese´. Eso era un poco engañoso, porque Pugliese no estaba en persona. Otros lo aclaraban, pero al pie: ´Esta noche bailamos con Juan D´Arienzo´. Y más abajo se leía: ´Con selectas grabaciones´. Tengo varios ejemplares de pasta y de vinilo con el sello del Club Atlanta, entre otros."

La llegada del long play inició una revolución y con el tiempo dio origen a la tanda, concepto que hasta el momento no existía. Antes hubiera sido imposible integrar la producción de todas las orquestas en una misma noche. Primero se pasaba material de una sola agrupación, pero variando el repertorio según las épocas de sus grabaciones, hasta que finalmente surgió una norma o rutina única, que en general consiste en alternar secuencias de cuatro tangos, tres valses y tres milongas, separadas por breves cortinas de otros géneros musicales, como jazz, bossa nova , boggie-woggie , rock nacional, pop y, a veces, cumbias.

Para hacer selecciones atractivas, el DJ debe saber mucho de tango. Son cerca de dos mil los temas bailables que más se escuchan y el musicalizador debe hilvanarlos siguiendo una lógica. Ese bagaje lo diferencia de su colega, el DJ de música electrónica, que, además de cobrar mejores honorarios, dispone de un repertorio muy homogéneo que se va renovando constantemente. Lucía Plazaola, que aprendió el oficio con Natucci, considera que la exigencia es mayor cuando se trata de pasar música en Buenos Aires. Al terminar el secundario, debutó como moza en la milonga El Beso. El día que renunció el DJ del lugar, ella estaba lista para cubrir el puesto. Tenía 21 años. Con 26 cumplidos, ya anda por su tercera gira por Europa."De afuera parece una pavada, que apretás botoncitos y ya está. Pero no: tenés que estar atenta a muchas cosas", dice, mientras anota en un cuaderno el esquema tentativo de la noche. Desde su cabina, en el entrepiso del local, vigila el panorama de la pista, que irá mutando con las horas, en función de factores imprevisibles: si hay turistas, si ganó Racing y perdió Boca, si faltan hombres y sobran mujeres, si llueve o hace mucho calor. "Además de conocer de ritmos, es importante distinguir los arreglos, que varían mucho según los distintos períodos de cada orquesta. Sabemos que no suena igual una de 1955 que otra de 1935. Yo sigo siendo muy clásica en mis gustos. Ahora a El Beso viene gente más joven pero no por eso voy a romper con la impronta del lugar. Sería una traición y yo no soy de hacerme la loca", asegura. Aclara que "locura" sería pasar tango electrónico, por ejemplo. Eso va contra su ideología.

¿Qué pusiste, pibe?

Una velada puede ser inolvidable o un perfecto fracaso. El público es una democrática mezcla de médicos, remiseros, oficinistas, cosmetólogas, jueces, empresarios, abogados, escritores, médicos, actrices, biólogos, chapistas, pintores de brocha gorda, estudiantes y jubilados, que asisten con la intención de practicar la danza. Algunos aprecian la música de modo inconsciente. Para otros, es un elemento clave. Los milongueroscon muchos años de pista distinguen, al oír el primer tango de la tanda, qué temas vendrán a continuación. Si la selección es mala, probablemente se quejen en voz baja o encaren sin vueltas al responsable: el DJ está siempre en la mira.

Horacio "Pebete" Godoy admite que más de una vez tuvo que aguantar caras largas. Con sus 38 años de edad y 20 de profesión, se esmera para que en su propia milonga, La Viruta, no se produzca ni el más mínimo error. "En Buenos Aires hoy debe haber 20 buenos DJ de tango, pero no todos resisten un cuestionario sobre música -explica, recién llegado de Alemania-. La mayoría respeta los años, las épocas, los cantores. Pecan por demasiado correctos. Es cierto que en esto no podés innovar demasiado, a menos que conozcas los cerca de cien mil tangos grabados que existen, pero necesitás entender a tu público. Creo que yo ya tengo capacidad para comprender la energía de la pista y una cierta sensibilidad comercial: sé que hay muchos milongueros a los que no les va a gustar determinada orquesta; entonces, no la paso."

En la década del 70 quedaban no más de diez milongas en la Capital Federal. Hoy, según el calendario que publican las revistas del circuito, funcionan no menos de cien. Los sábados puede haber hasta 29 salones abiertos. Y hay para todos los gustos: los tradicionales (adonde conviene ir de elegante sport), otros informales, pero para gente mayor, y otros para que practiquen los más jóvenes, en jeans y zapatillas. En unas pocas predominan los bailarines eximios. También existe una milonga gay, aunque no necesariamente hay que ser homosexual para poder entrar. En los espacios bien organizados, el DJ dispone de una cabina que balconea sobre la pista, cuando no está sentado a una mesa.

Superada la etapa del CD y del Mp3, la mayoría de los disc-jockeys cuentan con una respetable colección de tangos almacenados en sus computadoras, lo que a veces les permite hacer una pequeña "trampa": el playlist , es decir, programar las secuencias de canciones para que se sucedan por sí solas. Por lo general, no lo hacen y están pendientes del clima de la pista. En una velada pasan cerca de 120 temas, que deben satisfacer el gusto de bailarines de destreza diversa. Es que aprender la técnica de la danza toma al menos diez años y sólo entonces una persona está en condiciones de disfrutar de la música por encima de la coreografía aprendida, según coinciden muchos.

Para Ramiro Gigliotti, bailarín profesional y autor del libro Veneno de tango , una recopilación de historias y anécdotas desopilantes del ambiente porteño, cada vez que sale a la pista, el bailarín hace un pacto con el DJ . "Para algunos milongueros, es un dilema de vida o muerte: hay orquestas con las que no pueden dejar de bailar y otras con las que jamás se levantarían de las sillas. Entonces, se establece una especie de acuerdo tácito con el DJ . Cuando él mezcla en una misma tanda distintas tendencias, quiebra el pacto. Sucede con los tangos instrumentales, aunque es más claro con los cantados. Por ejemplo, si el primero de la tanda tiene una letra referida al amor, el segundo habla de carreras de caballos y el tercero del progreso que todo lo arruina, no es una combinación feliz."

Antes, cuando en las milongas había orquestas en vivo y el público deseaba escuchar un tema determinado, escribía el título en un papelito y el mozo se lo acercaba a los músicos. Hoy se ahorran las formalidades. "Pibe, ¿tenés tal grabación?". Se supone que un DJ despierto conoce cuál es el top ten del tango. Son temas que nadie pide porque la audiencia da por sentado que no van a faltar.

"Al principio era bastante criticada -admite Silvia Ceriani, DJ de La Catedral, los jueves, y de Salón Canning, los lunes-. Porque hay quienes bailan hace mucho y no saben nada de orquestas. Les gusta una sola y no los sacás de ahí. Pero nunca pueden faltarte los cuatro papás del tango: Osvaldo Pugliese, Carlos Di Sarli, Aníbal Troilo y Juan D´Arienzo. Si no los pasás, algo le falta a tu milonga. Hoy la computadora permite el playlist , pero la gente se aburre: uno está en función del ánimo de la pista", agrega Ceriani.

En eso hay coincidencia. Con dos décadas de oficio y una colección estimada en 20.000 grabaciones, Mario Orlando, que tiene a su cargo los espacios más prestigiosos del circuito, busca las mejores piezas cuidando de que cada uno mantenga su identidad. En La Marshall, la milonga gay, pone temas con letras sugestivas para complacer a los asistentes, y en Sunderland nunca pone tangos agitados, porque ahí bailan con pasos largos y otro tipo de abrazo. En abril de este año viajó a Estocolmo, a Río de Janeiro y fue invitado a participar de un festival en Dubai. "Cada lugar tiene su personalidad. Por eso, pongo música diferente en cada uno. Tenés que estar siempre presente. Si me duermo o me aburro, eso se nota enseguida, la pista se pincha. Y en la pista está el resultado de la noche."

Abriendo el juego

En la Argentina, un DJ de tango gana entre 100 y 300 pesos por noche. En el exterior los dividendos son más jugosos. El que invita, en general el organizador de una milonga o de un festival, corre con los gastos: un mínimo de 150 euros de honorarios por noche, pasaje y estadía completa. Y fuera del país el DJ camina por la alfombra roja, porque su figura es muy valorada, sobre todo si es porteño.

En los últimos años surgieron serios competidores en Europa y Estados Unidos, como Tommaso Fiorilli, un italiano famoso por hacer mezclas osadas que no siempre suenan mal. Ésa es otra de las ventajas con las que cuenta un DJ local cuando trabaja en el extranjero: hay menos presión. El público es más permeable a las nuevas propuestas. Se animan al tango electrónico, tan resistido en las milongas de Buenos Aires, o a bailar con otros soportes, como los discos de vinilo, la última tendencia en todo el mundo. "Acá es muy difícil dejar a todo el mundo contento. Tienen una estructura muy ortodoxa, les cuesta el cambio. Pero afuera escuchan de todo, te podés jugar -sostiene Gustavo Rosas, DJ diplomado en la Escuela Argentina de Oscar Calderón-. En un festival en Catania, Sicilia, y en Bruselas, pasé tango electrónico, de puro macho, y funcionó. Muchos maestros se quejan, pero la gente que entra por lo electrónico va afinando el oído y después empieza a pedir Canaro, los románticos, Fresedo. Eso suma, va purificando el gusto, acelerando esta movida del tango, que es impresionante."

Rosas tiene una colección de 13.000 vinilos. Una vez viajó con 80 de ellos en la mano por miedo a despacharlos en la bodega del avión. Son su tesoro. "Desde 2005, volvió a usarse el LP. Los buenos DJ coinciden en que es el mejor soporte, por la calidad del sonido. Sea cual fuera el formato, el sonido debe llegar al público con la mejor calidad. Además te permite trabajar en tiempo real, manejar los efectos", dice, a pocas horas de iniciar un tour que terminará en el Festival de Tango de Belgrado, en Serbia.

De todas formas, difícilmente un DJ de tango se atreva a hacer una revolución mayor. Hace falta un espíritu rebelde para cambiar los paradigmas de un género cargado de nostalgia y en el que predomina la idea de que nunca nadie podrá superar la sensibilidad de los músicos de la primera mitad del siglo XX. No obstante, están surgiendo los valientes.

"El Polaco Goyeneche me llevó a Troilo y a otros compositores. Me metí mucho con el tango canción, escuchando a Francisco Fiorentino, a Floreal Ruiz. Me atrajeron desde el punto de vista poético, porque me sentía reflejado. Como el rock, habla de cosas parecidas", dice Gabriel Plaza, periodista y crítico de música de este diario y DJ desde 2005. "Lo que me interesa de la profesión es tener un papel más artístico, hacer un personaje que juega, buscando más allá de la musicalización, tratando de que sea un acto creativo. Por eso puedo decir que mi referente es Picherna, que tuvo y tiene esa actitud hacia el trabajo. Él mismo es una puesta estética", afirma DJ Inca, el seudónimo artístico de Plaza. Debutó en un festival en Roma y luego siguió en París, Hong Kong y Nueva York, musicalizando festivales en los que se dio el gusto de incluir bandas alternativas, por ejemplo, La Chicana. Actualmente, junto con el DJ Simja Dujov (productor de música balcánica), experimentan remixando en vivo tangos electrónicos con grabaciones de orquestas de los años 40. Suman ritmos de Europa del Este y voces sampleadas de Gardel: una apuesta arriesgada, pero que puede hacer historia. Después de todo, el público siempre se renueva. "Como no tengo los prejuicios de los que ya están en el ambiente, me permito romper reglas y establecer las propias, sin perder de vista la sensación de la pista. Si bien estamos en función del bailarín, yo también me tengo que divertir. Por eso creo que hay una parte de todo este ritual que es muy buena, pero también los rituales se deben ir renovando, aggiornando . Finalmente, somos de otra generación", explica.

Algunas direcciones

La Viruta
Armenia 1366, Palermo Soho
www.laviruta.com.ar

Club Sin Rumbo
José Pascual Tamborini 6157, Villa Urquiza

La Marshall
Maipú 444
www.lamarshall.com.ar

Club Villa Malcom
Av. Córdoba 5064, Palermo

Gozoso Jueves
en La Catedral, Sarmiento 4006, Almagro
www.lacatedralclub.com

Salón Canning
Sacalabrini Ortiz 1331, Palermo
www.parakultural.com.ar

El Festival de Tango y el Mundial de Baile 2010

2010-09-03T09:12:00.000-07:00

Tango 2010: balance

Un evento que crece dentro y fuera del país

Visitaron el festival unos 100.000 extranjeros:

El Festival de Tango y el Mundial de Baile siguen creciendo en cantidad de artistas y de público. Según los datos oficiales, cerca de 350.000 personas asistieron al Festival y al Mundial en las últimas dos semanas, según cifras del gobierno porteño. Por la programación del festival pasaron 550 artistas, que realizaron ciento cincuenta espectáculos (de los cuales trece fueron producciones propias del festival). Mientras que en el campeonato mundial de baile de Tango Salón y Tango Escenario participaron 460 parejas de 21 países.
Una encuesta realizada por el Ente de Turismo de la Ciudad estima que este año 100.000 extranjeros visitaron la ciudad por el Festival de Tango. El 29,4% que llegó a la ciudad lo hizo puntualmente motivado por el tango, mientras que en 2008 lo hizo el 19% de los extranjeros. Se estima que esos cien mil visitantes dejaron un impacto de cien millones de dólares de gasto en la ciudad, confirmando aquello de que "el tango es como la soja porteña".

El festival creció en visibilidad fuera del país, entre el público local, y llegó este año incluso a nuevos sectores alejados generacionalmente del tango. Lo que se impone de alguna manera es la necesidad de hacer crecer ciertas estructuras del festival: espacios como el de la sede principal quedaron demasiado chicos e incómodos y se siguenextrañando aquellas milongas multitudinarias en el Obelisco.

En términos artísticos, la edición que pasó dejó varias postales para el recuerdo como la noche de homenaje a Horacio Salgán, la emoción final del campeonato de Tango Salón y Escenario, la presencia de un artista internacional como Rubén Blades cantando "Pedro Navaja" versionado al tango, las "tribus" jóvenes que coparon la noche de los Tangos Ricoteros y el tributo a un gran milonguero como Osvaldo Zotto (muerto a principio de año) y el reconocimiento a la gran María Nieves, pareja durante muchos años de Juan Carlos Copes.

Lo mejor. Las producciones creadas especialmente para el festival aportan novedad, experimentación y un riesgo necesario para mostrar las distintas facetas de la escena actual del tango. Otro logro fue darles mayor espacio a los espectáculos de danza y su desarrollo coreográfico.

Lo peor. El sistema de reparto de entradas anticipadas sigue siendo un tema por resolver. Muchas salas aparecen con un alto porcentaje de butacas desocupadas porque los asistentes deciden no ir a último momento. El Punto de Encuentro, a pesar de ser un edificio art decó recuperado para la ciudad, ofrecía muy poca capacidad.

Rescates. Así como el festival abre su espacio a las nuevas producciones, también mantiene en paralelo su perfil histórico. Este año se habló del estilo Salgán (además, don Horacio se sentó al piano en el escenario del teatro 25 de Mayo) y también hubo rescates mediante charlas y conciertos de artistas como Eduardo Rovira.

Orientales. La presencia de músicos y bailarines de Japón crece de manera exponencial. Este año algunas bailarinas se destacaron en los campeonatos de baile. También se lució la orquesta Aurora. Mientras que los orientales, pero del Río de la Plata también siguieron viniendo. Este año se creó una orquesta entre músicos argentinos y uruguayos dirigida por Andrés Linetzky, con repertorio de las dos orillas. Otro punto alto fue el concierto de Luciano Supervielle de Bajofondo.

Tango hoy. La nueva generación ocupó un espacio central en jornadas importantes, lo que habla de la madurez en los artistas de la actualidad como el caso del Chino Laborde y Dipi Kvitko, la orquesta Rascasuelos que dirige Patricio Bonfiglio, la presentación de la típica de Ariel Ardit, la aparición de revelaciones como Cucuza Castiello y Marisa Vásquez, los electrónicos y orquestales Otros Aires, y la dupla de Tute y Lucero con sus tangos nuevos. El futuro está asegurado.

Se dice. Quizá por el frío polar de este invierno, se volvió a hablar de tener un festival en meses climáticamente más benévolos y de recuperar las grandes milongas cerca del Obelisco. De hecho, por la gran demanda del público este año en varias de las milongas cerradas en Punto de Encuentro hubo que cortar la calle Bartolomé Mitre y sacar parlantes y pantalla a la calle para bailar sobre el asfalto.

Los cruces. Este año la sorpresa vino por el lado de los cruces. Luis Borda con Rodolfo García y Emilio del Guercio de Almendra; Rubén Blades cantando junto a la orquesta de Leopoldo Federico sus canciones emblemáticas adaptadas a tangos y milongas, y el tributo Tangos Ricoteros de la joven orquesta típica Ciudad Baigón a las canciones de los Redondos, que convocó a un público que nunca se había acercado al festival y generó un runrún interesante en otros sectores del público y la prensa.

El llamado de atención. Durante su actuación, el Chino Laborde mostró su actitud punk a pesar de cantar tangos muy tradicionales y pidió al Secretario de Cultura Hernán Lombardi que vuelva a instituir el festival de tango durante el verano. Acto seguido le dedicó como recordatorio el tango "Cuando me entrés a fallar".

Las milongas. El ciclo de milongas programado durante la semana del Mundial sirvió para ponerle calor popular al Punto de Encuentro y reunió a las mejores típicas del género como la nueva Ojos de Tango y la tradicional Orquesta Color Tango.

Campeones mundiales. Los ganadores de Tango Salón fueron Sebastián Ariel Jiménez y María Inés Bogado de Buenos Aires. En Tango Escenario se alzaron con el título Diego Ortega y Chizuko Kuwamoto de Colón y Tokio, respectivamente.

"Conoce los 7 beneficios que obtendrás al usar zapatos especiales para bailar salsa, tango y bailes de salón"

2010-07-24T07:32:00.000-07:00

“TODOPARATUBAILE” "Conoce los 7 beneficios que obtendrás al usar zapatos especiales para bailar salsa, tango y bailes de salón" 1-Podrás bailar muchas horas seguidas sin que le duelan los pies 2- Podrás sentirse cómoda/o al pisar y realizar sus pasos, al lograr un mejor equilibrio que le aportará más seguridad 3- Protegerás tus pies de rozaduras, al usar un zapato ligero y flexible que te permitirá bailar toda la noche 4- La mujer puede elegir: un tacón alto, fino y elegante, medio y seguro o en casos especiales, muy bajos para total confort. 5- Podrás lucir un zapato o sandalia de baile vistoso y elegante dentro de nuestra variedad 6- Recibirás tu zapato de baile al siguiente día de recibida tu compra en la península de España y en cuatro días a las islas o cualquier lugar del mundo (sólo zapatos en stock) 7- Tienes la posibilidad de modelos de excelente calidad desde muy bajo precio Características de un buen zapato de baile: La plantilla interior está especialmente diseñada para zapatos de baile que te permitirá descansar los pies, inclusive mientras estés bailando. Debe ser flexible y ligero, siendo éstos unos de los principales beneficios con los que contarás al usar nuestros modelos. Notarás que la sujeción será la adecuada, sin apretar tus pies Los hay también con suela especial de serraje (especial para girar y no escurrirse). Pero esto no es todo, la mujer ya no tendrá que preocuparse más por la difícil tarea de poner la hebilla del zapato, gracias a que tiene un diseño especial que hace sumamente fácil colocárselo evitando tener que pasar cada vez que se lo ponga, la tira por la hebilla. Ver video de demostración (pinchar más abajo) En el 98% de los casos la talla de nuestros zapatos es el mismo que el que usted usas habitualmente. Recomendamos para mayor aclaración enviar con tu orden de compra la medida de tu pie: el largo y el ancho. Si no fuera así te lo cambiamos por la talla adecuada. Video como abrochar tu sandalia:

Milonga Argentina en Madrid www.veronicamassini.com

2010-07-03T08:00:00.000-07:00

TANGO ARGENTINO en Madrid www.veronicamassini.com

2010-06-21T03:21:00.000-07:00

TANGO ARGENTINO en Madrid www.veronicamassini.com

2010-06-15T04:40:00.000-07:00

TANGO ARGENTINO en Madrid-www.veronicamassini.com

2010-06-02T16:46:00.000-07:00

Planta de suela o planta de cromo para un zapato de baile?

2010-05-26T09:14:00.000-07:00

Planta de Zuela o planta de cromo para un zapato de baile?
Planta de Zuela o planta de cromo para un zapato de baile?
Es muy importante para un bailarín un zapato de baile y la parte de contacto con el suelo es la más importante.

Suela
Llamaremos Suela al cuero curtido y duro que se usa en los zapatos.
Propiedades
Mantener su capacidad de fricción siempre y es complemento ideal para un taco de jebe. es durable.
Se usa para hacer calzados formales para caminar
Cuando el suelo está húmedo agarra de mejor manera aumentando la fuerza de fricción.
En muchas ciudades no hay zapateros que hagan zapatos de baile, pero si zapatos de suela para caminar
Desventajas al bailar:
No es flexible, por ser un cuero duro no tiene flexibilidad y no permite movilidad ni control de peso en el pie, algo que es tan importante para un bailarín.
Por ser duro el cuero, reparte el peso en toda la planta del pie y la fricción es constante donde se pise y la manera que se pise.
Peso, la suela hace que los zapatos sean de mayor peso.

Lamé -Cromo o Serraje
Es un cuero más fino comúnmente usado a nivel mundial en zapatos para baile, en muchas ciudades no es común que los zapateros usen cromo para sus productos ya que es un material ideal para suelos elaborados, pero de poca durabilidad para suelos de cemento porosos o superficies naturales.
Propiedades
Flexibilidad, alta flexibilidad, es un cuero suave y permite flexibilidad total donde se use.
Deslizamiento adecuado, permite control total de deslizamientos ya que el pie mismo maneja su peso; si es que se pone mayor peso al punto de desliz el zapato agarra,si es que se pone menor peso que el punto de desliz el zapato desliza sin problemas.
Manejo del peso, permite proyectar el peso del cuerpo en el área que se necesite en la planta del pie. Ideal para manejo de giros.
El desgaste es conforme a los pies del bailarín, el cromo o lame se amolda mucho más a la manera de pisar del bailarín haciendo que tenga la fricción adecuada para cada parte del área del pie conforme los movimientos más usuales del bailarín.
Desventajas
Más delicado para suelos porosos y desnivelados,
Debido a ser un material más fino, exige mayor cuidado en la confección de zapatos
No existen en muchas ciudades zapateros que tengan la técnica para usar el material debido a que es principalmente usado en la danza y no para zapatos para caminar.
Aunque algunos fabricantes entregan el cromo ya lijado para obviar la etapa de “amoldamiento”, lo normal es que cuando está nuevo
requiere un tiempo de “amoldamiento” con el pie del dueño para que el cromo adecúe su capacidad de desliz y agarre según el pie.

Ya sabes a un@ buen bailarin/na un buen zapato de baile

Verónica Massini www.veronicamassini.com Todoparatubaile

ZAPATOS DE BAILE en Madrid www.veronicamassini.com

2010-05-17T09:38:00.000-07:00

TANGO ARGENTINO. Clase 4- Verónica Massini: demostración de cruzados (ochos) delante, práctica con un@ compañer@. Clases domingos 18.45h y práctica hasta las 21h en La Rotonda de Tres Cantos-Madrid. Verónica luce sandalias de baile para tango y/o salsa confeccionadas en piel y fantasía leopardo.

Consejos para comprar tus zapatos de baile

2010-05-05T06:32:00.000-07:00

Consejos para comprar tus zapatos de baile

En el deporte, en cualquiera de sus modalidades, los deportistas siempre han utilizado el calzado más apropiado para cada actividad deportiva. En el baile ocurre lo mismo, no todo el calzado que existe nos proporcionará el mismo confort, sujeción, equilibrio y comodidad, si en el día a día ya es importante el calzado para evitar lesiones y dolores innecesarios, aún lo es más en el calzado que vamos a utilizar para el baile.
LAS MEDIDAS DE TUS PIES
Hay varios tipos de pies y no todos los zapatos se adaptan a todos los pies, es por eso que muchas chicas tienen auténticos problemas para encontrar zapatos.
LARGO DEL PIE es la medida que hay en línea recta desde el final del talón hasta el final del dedo más largo, que no siempre se corresponde al dedo gordo. Esta medida está estandarizada y es de la que se toman las medidas a nivel mundial, existen unas tablas de conversión de unas medidas a otras según cada uno de los países, existiendo una global en centímetros y otra en pulgadas.
ANCHO DEL PIE es el contorno del pie, se toma rodeando los metatarsianos del pie donde empiezan los dedos. Las medidas estándar suele ser 1 o 2 centímetros menos que el largo del pie. Unos de los mayores problemas para encontrar zapatos es cuando la chica tiene un contomo excesivamente ancho o estrecho para el largo de su pie.
FORMA DE LOS DEDOS
Hay tres tipos de puntas de pies para 2 tipos de puntera de zapato:
1º El dedo Indice es más largo que los demás Dejando una forma de punta de flecha.
2º El dedo Gordo es más largo que los demás. Dejando una forma recta en diagonal entre los dedos del meñique hasta el gordo.
3º Todos los dedos miden lo mismo, dejando una forma recta.
PARTES DEL ZAPATO
Suela, es la parte del zapato que hace fricción con el suelo, puede ser de: cromo (serraje), plástico, cuero.
Plantilla es la parte del calzado que hace contacto con la planta del pie, es una parte muy importante del zapato, al estar en contacto con el pie es importante que sea de pieles naturales, la parte de la punta siempre será de piel vuelta, para sujetar el pie y que no escurra.
En plantillas existen 2 tipos de puntas, la punta redonda para los tipos de pie l y 2 y la punta cuadrada para el tipo 3.
Acolchado es la parte del calzado que proporciona el confort al pie y a la vez aisla del impacto contra el suelo y evita que se carguen los huesos metatarsales del antepié. En calzado de calidad el acolchado suele ser de látex y no de espuma como en los zapatos más económicos.
Palmilla son las dos capas que cubren el hierro cambrillonero y juntos forman la estructura del zapato que dará rigidez para que el tacón no se vaya para atrás, en definitiva es la sujeción principal del tacón, por tanto, tiene que ser resistente por la parte trasera y flexible y blanda por la delantera.
Corte exterior es la parte exterior del zapato que da la forma, el estilo y el diseño al zapato, es la parte que se amolda al pie, dependerá de un buen corte exterior la comodidad y utilidad del zapato.
Forro es la parte interior del corte exterior y suele ser de ante o piel vuelta, para evitar las rozaduras producidas por los zapatos sintéticos.
El contrafuerte es lo más importante para la estabilidad de una bailarina, es la parte que sujeta el talón y protege el tobillo, es muy importante que sea muy rígido y duro.
Tacón van desde 4 cm para niñas hasta tacones de aguja de 12 cm (muy utilizados en tango), lo estándar para salsa es entre 5 y 7 cm.
Correa del tobillo es la parte del calzodo que evita que el pie se mueva dentro del zapato.
Cosas o tener en cuenta, antes de elegir unos zapatos:
CORTE EXTERIOR (DISEÑO) tener en cuenta las medidas de los pies de cada chica, para elegir un diseño u otro, una chica con un dedo meñique muy pequeño siempre tendrá problemas con zapatos de tiras.
TACÓN Para que no nos duelan los pies y sentirnos cómodos, es importante tener en cuenta, la costumbre (calzado habitual), la complexión física, los problemas de espalda y la altura de la chica para elegir un tacón y otro, una chica que nunca lleva tacones habitualmente es aconsejable que elija para bailar un zapato de tacón bajito.
CORREA DE TOBILLO Ten en cuenta cómo te quieres sentir de sujeta al zapato para elegir la sujeción que te haga sentir más cómoda.

Para ver diferentes diseños, hormas y tamaños de tacón www.veronicamassini.com

ZAPATOS DE BAILE en Madrid www.veronicamassini.com

2010-05-03T08:00:00.000-07:00

Clase de Tango argentino principiantes nº 1
Fernando y Verónica
Lugar: La Rotonda de Tres Cantos-Madrid, 2 de mayo 2010
+ info www.veronicamassini.com AGENDA

ZAPATOS DE BAILE en MADRID www.veronicamassini.com

2010-04-22T04:48:00.000-07:00

INTENSIVO TANGO ARGENTINO cada domingo en La Rotonda a las 18.45h con Fernando y Verónica.
El Tango no tiene un solo paso básico, aprenderemos en cada clase, movimientos diferentes que podremos combinar entre sí, realizando infinitas coreografías, partiendo todo del "abrazo".
Chicos, nos quedan por emparejar algunas chicas, animaros a venir!
Nos vemos el domingo!
+ info: 617352309 ó www.veronicamassini.com

ZAPATOS de BAILE en Madrid www.veronicamassini.com

2010-04-17T17:03:00.000-07:00

Letra salsa: "Si no te hubieras ido"-Tito Nieves

2010-04-07T14:06:00.000-07:00

Te extraño más que nunca y no sé qué hacer Despierto y te recuerdo mal amanecer Espero otro día por vivir sin ti el espejo no me miente Lo veo diferente y haces falta tú
La gente pasa y pasa siempre tan igual El ritmo de la vida me parece mal era tan diferente cuando estabas tu Sí que era diferente cuando estabas tú
No hay nada más difícil que vivir sin ti Sufriendo en la espera de verte llegar El frío de mi cuerpo pregunta por ti y no sé dónde estás Si no te hubieras ido sería tan feliz (Bis el coro)
La gente pasa y pasa siempre tan igual El ritmo de la vida me parece mal Era tan diferente cuando estabas tú Sí que rea diferente cuando estabas tú
No hay nada más difícil que vivir sin ti Sufriendo en la espera de verte llegar El frío de mi cuerpo pregunta por ti y no sé dónde estás Si no te hubieras ido sería tan feliz
Si no te hubieras ido Si no
Si no te hubieras ido Sería yo el hombre más feliz Si no si no De tenerte a mi lado y no dejarte ir Si no te hubieras ido Si no te hubieras ido estuviéramos casados Si no si no Con un hogar bonito y con muchos muchachos
Originally posted 2008-07-14 10:23:19.

HISTORIA DEL BALLET CLÁSICO

2010-02-13T07:39:00.000-08:00

HISTORIA DEL BALLET CLÁSICO
El ballet se originó a finales del siglo XV, a partir de los números de danza que se representaban en los festines de las cortes italianas.Estos elaborados espectáculos que aunaban pintura, poesía, música y danza, tenían lugar en espaciosas salas que se utilizaban tanto para banquetes como para bailes. Su contenido era normalmente alegórico-mitológico. Los ballets cortesanos italianos fueron ampliamente desarrollados en Francia. El Ballet cómico de la Reina, el primer ballet del que sobrevive una partitura completa, se estrenó en París en 1581. Fue creado por Beaujoyeux y bailado por aristócratas aficionados en un salón con la familia real sobre un estrado al fondo y los espectadores en las galerías de los otros tres lados del salón. Ello determinó el carácter de los futuros ballets cortesanos, que cristalizaron en el siglo XVII en las diferentes cortes europeas con su suntuoso vestuarios, decoración, fuentes artificiales, luminotecnia... El ballet de corte alcanzó su cumbre durante el reinado de Luis XIV (1643-1715), cuyo apelativo de Rey Sol derivó de un papel que ejecutó en un ballet. Muchos de los ballets presentados en su corte fueron creados por el compositor italo-francés Jean Baptiste Lully y el coreógrafo francés Pierre Beauchamps, a quien se atribuye la determinación de las cinco posiciones básicas de colocación.   En 1661, Luis XIV fundó la Academia Real de la Danza, para maestros . La danza estaba empezando a configurarse como una disciplina profesional. En un primer momento solo los hombres podían participar, y los papeles femeninos los realizaban disfrazados. Las primeras bailarinas aparecieron en 1681 en un ballet llamado El triunfo del amor. La técnica de la danza en este periodo, recogida por Raoul Feuillet en su libro Coreografía , incluía pasos y posiciones todavía identificables. Se desarrolló una nueva forma teatral: la ópera-ballet, que aunaba   el canto y la danza en una serie de danzas unidas de tema común. Los bailarines del siglo XVIII se veían entorpecidos por los trajes, zapatos, pelucas y miriñaques para ellas. Fue Marie Anne Camargo quien acortó las faldas y empezó a usar zapatillas sin tacón, para exhibir sus pasos y saltos. Su rival, María Sallé desechó el corsé y se colocó túnicas griegas para bailar Pigmalión . A pesar del virtuosismo de los bailarines franceses, los coreógrafos que trabajaban fuera de París consiguieron una expresión más dinámica en sus ballets. Fue John Weaver quien eliminó las palabras e intentó transmitir sentido dramático por medio de la danza y el gesto. En Viena se dio a conocer la pantomima. En este sentido hay que destacar la figura de Jean Georges Noverre, cuyas Cartas sobre la danza y los ballets (1760) ejercieron una notable influencia.Para el los movimientos debían fluir natural y armónicamente. Noverre encontró una oportunidad para plasmar sus ideas en Stuttgart, Alemania, donde produjo por primera vez   Medea y Jasón. Jean Dauberval,alumno del anterior,en su ballet La fille mal gardée (La muchacha mal custodiada, 1789) aplicó los principios de su maestro. La danza en puntas empezó a desarrollarse , aunque los bailarines se ponían de punta sólo unos instante ya que aún no se habían inventado las zapatillas de punta dura. El ballet Las sílfides, cuya primera representación tuvo lugar en París, inauguró el periodo del ballet romántico. Maria Taglioni, solista, interpretaba una criatura sobrenatural que es amada y destrozada de forma involuntaria por un mortal. Las sílfides inspiraron muchos cambios en los ballets de la época.También debemos mencionar Giselle (1841), con música de Adam y coreografía de Jean Coralli. El ballet romántico, sin embargo, no se inspiró exclusivamente en temas sobre seres de otro mundo. Las mujeres dominaban (y aún lo hacen) el ballet romántico. Entre el ballet que vivía un proceso expansivo en Europa y la escuela bolera (danza académica española) surgió un importante vínculo.Los temas españoles comenzaron a estar de moda en los repertorios de los ballets.El gran Marius Petipa cristalizó la esencia española dentro del ballet clásico, produciendo entre 1847 y 1888 junto a Ivanov una serie de ballets y fragmentos de aire y estilo españoles que son verdaderas obras maestras.
Pero en Europa el ballet empezaba a perder interés. Durante la segunda mitad del siglo XIX se produjeron pocos ballets destacables en la Ópera. Aunque sí que podemos señalar Coppélia, Sylvia y La fuente, con música de Leo Delibes.
Rusia,sin embargo, sí que siguió con a tradición del ballet , gracias al coreógrafo Marius Petipa. Entre sus obras están los ballets quizás más conocidos: La bella durmiente (1890), El lago de los cisnes y Cascanueces, las tres en colaboración con el Liev Ivanov, sobre música de Piotr Ilich Tchaikovski.
Petipa llegó a convertirse en un punto de referencia. Fokine hizó hincapié en la idea de expresividad. Los Ballets Rusos, fundados por S.Diaghilev con la colaboración del anterior, supusieron el inicio del ballet moderno. Supuso el resurgir de la figura masculina que había sido olvidada y la aparición de nombres como Vaslav Nijinski. La compañía creó un gran número de nuevas piezas, incluido un ballet de un solo acto de Fokine de temática oriental: El pájaro de fuego (1910), Sheherazade (1910) y Petruska (1911). Diaghilev contrató no solo a compositores y coreógrafos sino también artistas, pintores, poetas y compositores de Europa occidental, como Pablo Picasso y Maurice Ravel, para colaborar con los ballets. George Balanchine, y el bailarín y coreógrafo ruso-<strong>francés Serge Lifar abrieron nuevos horizontes al ballet.
Aquellos artistas que habían colaborado en la compañía contribuyeron al florecimiento del ballet en Europa y América. Anna Pavlova, que bailó en las primeras épocas de los Ballets, creó su propia compañía. Fokine trabajó con el futuro American Ballet Theatre. Massine colaboró con el Ballet Ruso de Monte Carlo, compañía creada tras la muerte de Diáguilev. Dos antiguos miembros de los Ballets Rusos, Marie Rambert y Ninette de Valois, colaboraron en la difusión británica del ballet. De Valois fundó la compañía que llegaría a ser el Britain’s Royal Ballet. Entre los años 1920 y 1930 comenzó a desarrollarse en Estados Unidos y Alemania la danza moderna. Martha Graham, Doris Humphrey y Mary Wigman, crearon nuevos estilos de movimiento con un progresivo acercamiento al realismo. Se amplió la capacidez de movimiento con un uso más libre del cuerpo.
En la década de 1930, Massine inventó el ballet sinfónico, que trataba de expresar el contenido musical de sinfonías de los compositores alemanes Ludwig Van Beethoven y Johannes Brahms. Balanchine a su vez comenzó a crear ballets abstractos. Jewels (1967) está considerado como el primer ballet de larga duración de este tipo.
Durante los años 40 se fundaron en Nueva York dos grandes compañías de ballet, el American Ballet Theatre y el New York City Ballet. A partir de la segunda mitad del siglo XX, se han creado compañías de ballet en muchas ciudades de Estados Unidos y de Canadá.
En los años 50 las compañías rusas ( la del teatro Bolshói y el teatro Kírov, por ejemplo) hicieron por primera vez representaciones en Occidente. La influencia rusa sobre el ballet ha sido inmensa. Encontrándonos con los famosos casos de deserción como Rudolf Nureyev, Natalia Makárova, y Mijaíl Baryshnikov, director del American Ballet Theatre de Nueva York, desde 1980 hasta 1989.
.En España hay que destacar la figura de Víctor Ullate, quien en 1979 se convierte en el director del Ballet Nacional de España. En 1987 Maia Plisiétskaia fue nombrada directora artística del Ballet Lírico Nacional. La incorporación del coreógrafo y bailarín español Nacho Duato como director artístico de la Compañía Nacional en 1990 ha supuesto un cambio innovador en la historia de la compañía, que ahora se ha alejado del ballet clásico propiamente dicho.
Finalmente hay que destacar el esfuerzo cubano en el desarrollo del ballet con su Ballet Nacional de Cuba, fundado y dirigido por   Alicia Alonso.
El repertorio del ballet actual ofrece una gran variedad. Coexisten ballets modernos y los pertenecientes al repertorio clásico .Aunque podemos decir que es la danza contemporánea la que está ganando actualmente el terreno.

LA DANZA DEL VIENTRE

2010-02-13T06:49:00.000-08:00

Danza del Vientre

La danza del vientre es una danza oriental de las más antiguas que existen. Combina elementos de Oriente Medio junto con otros del Norte de África. La danza del vientre o danza oriental tiene su origen en el Raks Baladi o danza del pueblo. El Raks Baladi es una danza muy elemental, prácticamente sin desplazamientos y con movimientos principalmente de cadera. A la evolución de esta danza se la llama danza del vientre o Raks Sharki en egipcio. El Raks Sharki incluye movimientos del folklore egipcio, danza clásica y contemporánea, con grandes desplazamientos, vueltas y movimientos de todas las partes del cuerpo, pero sobre todo de la cadera. En Turquía, a la danza del vientre se la conoce como Gobek Dans o Rakasse (ritmo turco).

Los Beneficios de Bailar !!!

2010-02-09T10:37:00.000-08:00

Los Beneficios de Bailar !!!

Al igual que otras actividades moderadas y de bajo impacto en las que soportamos peso, por ej. caminar a paso ligero, montar en bicicleta o practicar aeróbicos, bailar puede:
•fortalecer los huesos y los músculos, sin lastimar las coyunturas
•tonificar todo el cuerpo
•mejorar nuestra postura y equilibrio, lo que a su vez puede evitar las caídas
•aumentar la resistencia y flexibilidad
•reducir el estrés y la tensión
•aumentar la confianza en sí mismo
•darnos la oportunidad de conocer a otras personas y compartir buenos momentos
•prevenir enfermedades como la diabetes, alta presión arterial, enfermedad del corazón, osteoporosis y depresión
Si usted está harto de la rutina y busca una manera divertida para mantenerse en forma y saludable, ¡quizás sea el momento de mover los zapatos!y que sean especiales para el baile!

Un actor se prepara, un alma se desenvuelve

2010-02-09T10:30:00.000-08:00

Un actor se prepara, un alma se desenvuelve

…el propósito de actuar, cuya finalidad, tanto en sus orígenes como ahora, fue y es, a manera de decir, ponerse frente a un espejo…

William Shakespeare

El trabajo del actor es crear un carácter, una personalidad, y presentarlo a la audiencia viviente, real. El proceso de llegar a ese trabajo nos recuerda al proceso de desenvolvimiento espiritual y de llegar a conocer el verdadero yo.

Una vez tuve un papel secundario, en un teatro regional que estaba presentando Julio Cesar, de Shakespeare. Al caminar bajo el escenario, durante una función, para ocupar mi lugar entre “los extras”, la actriz que tenía el papel de Porcia se acercó a mi con expresión de angustia.

Le toqué el brazo y le pregunté, “Carol, ¿te sientes bien?” Me respondió en un susurro “Él no quiso decirme nada”. Y enseguida sonrió: “Yo estoy bien, pero Porcia es la que no anda nada bien” y volvió a reír.

Carol, la actriz, terminaba de presentar la escena en que Porcia, dándose cuenta del insomnio y la preocupación de Bruto, tanto como de sus encuentros clandestinos con líderes de Roma, le ruega que comparta sus problemas con ella. Y aunque le muestra una herida que ella misma se había hecho en la pierna para probarle su capacidad de guardar secretos, deja la escena sin respuesta. Cuando me encontré con Carol, me encontré también con Porcia. Carol se había revestido de Porcia tanto como de la de la toga y la máscara, y aunque la actriz había estado allí durante toda la escena, la audiencia sólo había visto a Porcia. Tengo la impresión de que la audiencia se había olvidado de haber estado viendo a Carol Wilson, una actriz que ya habían visto antes representando toda clase de personajes, pero que ahora se había identificado con Porcia. Carol misma, cuando yo la vi bajo el escenario, estaba todavía identificada con Porcia, pensando y sintiendo como ella. Pero cuando yo le hablé, Porcia se esfumó y Carol se rió de su propia participación en la escena.

Esta “participación” con una personalidad adquirida es común, creo, en la mayoría de nosotros. Empezamos muy temprano en nuestras vidas a crear una personalidad para presentarnos al mundo, a veces conscientes de hacerlo, pero con frecuencia nos identificamos tanto con esa personalidad, que, a diferencia de Carol, perdemos de vista al yo que existe detrás de la personalidad creada. El proceso que lleva al actor a desenvolver un carácter puede ser una excelente herramienta espiritual para un actor , y a mi parecer puede darnos a todos una vislumbre en el desarrollo de nuestra propia personalidad y de cómo podemos llegar a conocer a nuestro verdadero yo.

Mucho antes del estreno de la obra, Carol había empezado su trabajo estudiando a Porcia en el escrito, prestándole mucha atención a lo que el carácter hacía y decía, a cómo se relacionaba con los otros personajes, y lo que los otros decían de ella. Había mucho que descubrir sobre la vida de Porcia, no solo en el tiempo presente del papel, sino también sobre su pasado.

Había preguntas que hacerse: ¿Era ella rica o pobre cuando niña? ¿Era educada? ¿Qué tal era ser esposa de un pilar de la sociedad romana? La actriz tenía que echar una extensa mirada, objetiva, a ese carácter, y llegar a comprender también su personalidad, creando hasta las razones lógicas que justificaban su conducta si Shakespeare no las había explicado en su libreto. Carol encontró que Porcia era una hermosa, educada, inteligente mujer de la nobleza, de naturaleza fuerte y valiente; era también muy capaz de enojarse, preocuparse, y, al final, capaz de desesperar y cometer suicidio.

Acto seguido, Carol necesitó descubrir lo que ella tenía en común con Porcia y para ello tuvo que verse a sí misma profunda y honestamente. Pronto reconoció su propia fuerza, coraje e inteligencia, pero no podía parar allí. Siguió más allá de las mejores partes de sí misma, de la imagen con que ella quisiera ser vista por los demás, fue a sus zonas más oscuras donde era capaz de irritación, miedo y hasta desesperación. Se vio a si misma en Porcia y a Porcia en sí misma, y las aceptó a las dos en su condición humana.

En nuestro trabajo de desenvolvimiento espiritual este método objetivo y franco de auto-estudio nos puede ser útil a todos. Cuando somos capaces de enfrentar nuestro ser real y el “rol” que representamos ante los demás, y a veces ante nosotros mismos, cuando miramos profundamente las sombras y los aspectos menos-que-ideales de nuestra persona, ahí empezamos el trabajo de desenvolvernos espiritualmente.

En su estudio de sí misma y de Porcia Carol descubrió cuánto tenían en común. A pesar de las diferencias de estilo de vida, ambas habían sufrido dolor físico y depresión, sentían mucho amor por otros y se preocupaban por los asuntos de la vida cotidiana. Cuanto más roles un actor representa, cuanto más rasgos de carácter busca dentro de sí mismo, con tanta mayor claridad ve lo mucho que comparte con toda la humanidad. A medida que nos miramos a nosotros mismos con objetividad, empezamos también a ver nuestros lazos con otros seres humanos. Si alguien aparece orgulloso, o enojado, o amable, y nosotros hemos reconocido ese mismo sentimiento dentro nuestro, las barreras que nos separan se empiezan a disolver. Empezamos a reconocer en los demás nuestras propias alegrías y sufrimientos, nuestras idiosincrasias y neurosis, nuestras necesidades y deseos y comprendemos cuánto estamos enlazados a otras almas.

Una vez que Carol conoció a Porcia casi tan bien como a sí misma fue capaz de “entrar en el personaje”, incorporando tanto los sentimientos y pensamientos internos como el modo de hablar, los gestos y las acciones que eran propios de Porcia. Cuando el actor lo consigue, esta transformación parece casi mágica.

Recuerdo haber estado observando a un actor que esperaba en los corredores para entrar al escenario como Moriarty, el genio perverso de la obra de Sherlock Holmes. El actor, Herb, era amigo mío y yo sabía cómo era él, amable, divertido y abierto en el trato. Ahí estaba, en el corredor, con su saco negro, guantes y galera en lugar de sus blue jeans y su remera. El giró la cabeza hacia donde yo estaba y en vez de amistad yo le vi un brillo frío en los ojos, y la boca estaba encorvada hacia arriba en una sonrisa tan cruel que no me hubiera sorprendido verle salir entre los labios una lengua de serpiente. Me hizo estremecer cuando se deslizó hacia al escenario. Después de la obra fue un alivio verlo otra vez con su sonrisa amistosa, sus ojos chispeantes y otra vez con sus pantalones vaqueros bien gastados, habiendo dejado a Moriarty en el perchero.

La transformación puede parecer mágica, pero al actor le lleva tiempo y esfuerzo hasta que consigue crear y “encarnar” el personaje; sin embargo qué fácil nos resulta a nosotros “cambiar de carácter” en nuestra vida diaria. Podemos hablar, pensar y hasta vestirnos de modo diferente con diferentes personas y en situaciones diferentes. Podemos ser una persona frente a nuestros padres, otra para nuestros niños, y otra todavía con nuestro empleador a medida que elegimos los aspectos de nuestra personalidad que trabajan con más armonía en cada situación, o quizás, porque nos permiten conseguir lo que queremos.

La diferencia entro nosotros y Carol – la actriz, es que Carol siempre sabe que se está “vistiendo” de un personaje. Aunque ella se identifica con el rol, parte de ella debe permanecer como un observador, ajustándose constantemente a las necesidades de la obra, o de los otros actores, o de algún imprevisto. Si el equipo de apoyo pierde una señal y el teléfono no suena en el escenario en el momento previsto, la actriz ha de hacer un rodeo y al mismo tiempo permanecer en su carácter. Nosotros también necesitamos desarrollar esa parte del observador dentro nuestro para salir adelante con un niño cansado, un patrón iracundo o una madre o padre enfermo. Si nosotros respondemos según el aspecto de nuestra personalidad que se está expresando en el momento podemos decir o hacer algo que después lamentamos. De los actores podemos aprender a permanecer conscientes y alertas en todo momento durante los varios roles con que actuamos en nuestras vidas.

Carol dedicó bastante tiempo a hacer trabajo interior, para elegir un modo u otro de expresar las reacciones de sus personajes, pero sabía bien que no era suficiente confiar solamente en su propias dotes de observación. El director de la obra actuó para ella como un observador exterior, guiándola hacia su objetivo. Fue el director el que la ayudó a mantenerse en línea, aconsejando y ayudándola en su trabajo. De manera similar la guía espiritual puede sernos valiosa en nuestro camino espiritual. Aunque podemos observar mucho de nosotros mismos, un observador exterior objetivo que se interesa sobre todo en nuestro bien espiritual puede ayudarnos a vernos a nosotros mismos honestamente y a hacer elecciones apropiadas a medida que nos dirigimos hacia nuestro propósito espiritual.

Así fue como Carol llegó a conocer bien a Porcia, y a sí misma mejor que antes. Entonces llegó la hora de darle vida a su rol frente a la audiencia. Así pudo enfocar la atención en cada momento de las escenas y en lo que su papel de Porcia requería.

Después de la actuación describió los sentimientos de muchos actores: “La audiencia y yo cruzamos la distancia mutua para compartir una experiencia, una emoción, un momento de vida en la humanidad”.

Frecuentemente el actor y la audiencia experimentan un sentido de participación, una apertura mutua, un encuentro en que se reconoce que somos todos iguales. Tal como Shakespeare lo dijo en Como Les Guste

Todo el mundo es un escenario,
Y todos los hombres y mujeres somos
meramente actores
Que tienen sus momentos de entrar o salir
Y cada persona en su hora representa
muchas partes…

Cuando vivimos nuestras vidas con objetividad, conscientes y alertas podemos, como los actores, llegar a conocernos y aceptarnos a nosotros mismos y a los demás, y, mediante ese conocimiento y aceptación desenvolvernos espiritualmente con compasión y amor.

ã Cafh Foundation, 2008.

2010-02-09T10:08:00.000-08:00

El baile y la eterna juventud

[Tomado de la página electrónica de la revista XL Semanal, España, 24 de enero de 2009]

Estudios recientes prueban que mover el cuerpo al compás de música beneficia nuestro cerebroal compás : mejora la memoria, la planificación, la concentración… Y, por si fuera poco, activa los mismos centros de placer que el sexo. ¿Bailamos?

A veces, la ciencia se inspira en lo que podría ser sólo un chiste. Snowball [en inglés, `bola de nieve´] es una cacatúa, un pájaro blanco, al borde de un sillón que mueve la cabeza, levanta sus patitas y abre la cresta con pasión al ritmo de su canción favorita, Everybody, de los Back Street Boys. Su baile se ha convertido en un fenómeno en Internet, pero también ha modificado la manera en que los neurocientíficos entienden los procesos asociados a la percepción de la música y el movimiento rítmico. Si aún no sabe de qué le hablamos, entre en YouTube [www.youtube.com] y escriba ‘cacatúa’. No se moleste en buscar el truco, porque no lo hay.

Cuando Aniruddh Patel, investigador del Instituto de Neurociencias de La Jolla, California, descubrió a Snowball, no vio, como nosotros, un pájaro haciendo su numerito, sino una contradicción con la tesis darwinista de que sólo los cerebros humanos están predispuestos para la danza.

Patel contactó con la dueña del animal para descartar así la posibilidad de que la cacatúa se moviese por imitación. Snowball realmente bailaba, aunque con el ritmo y la sincronización de un niño de cuatro años. Para el investigador, esta habilidad está presente en los pájaros, pero no en nuestros ‘hermanos’ los primates, ya que la capacidad de bailar se asocia con nuestras habilidades vocales.

«Los humanos y los loros –explica–son de las pocas especies con un cerebro preparado para el aprendizaje vocal, capaz de escuchar sonidos y coordinarlos con movimientos complejos (labios, lengua, cuerdas vocales) con el fin de reproducirlos. Otros animales, como los delfines, las focas y las ballenas, tienen la misma capacidad, por lo que también deberían poder bailar, aunque aún no lo sepan.»

Según Patel, su descubrimiento nos abre a importantes avances sobre la compleja relación neuronal entre los sistemas auditivo y motor, lo que podría ayudar a desentrañar enfermedades como el párkinson. Su investigación ha sido valorada por The New York Times como una de las diez más importantes de 2009, si bien otros científicos dudan de sus conclusiones. Entre ellos, Lawrence Parsons, de la Universidad de Sheffield, del Reino Unido: «Si existe consenso científico en que sólo los humanos somos capaces de hacerlo, es porque no se ha visto a ningún otro animal que baile en su medio natural».

La danza es un comportamiento humano universal asociado con rituales de grupo, una acción motriz que responde a sensaciones internas o a estímulos externos, pero, ante todo, es un placer. Personas de distintas edades y condición física pueden bailar durante horas en una fiesta sin sentirse agotadas gracias a la adrenalina y la serotonina que sus cuerpos generan durante la danza. De hecho, según el neurólogo de la Universidad de Columbia John Kra-kahuer: «La realización de movimientoscoordinados estimula nuestro centro de recompensa cerebral». Bailar pone en funcionamiento los mismos centros cerebrales que despiertan el placer del sexo o de una buena comida, una razón evolutiva para que esta forma de expresión haya perdurado en el tiempo.

Lo curioso es que se producen efectos similares cuando sólo somos espectadores. Programas de televisión como Mira quién baila entusiasman a la audiencia también por razones científicas, ya que cuando vemos danzar a alguien se activan las mismas zonas del cerebro que lo harían si fuéramos nosotros los bailarines. Las responsables de este efecto son las neuronas espejo, una serie de células nerviosas que residen en el área motora del cerebro y que provocan nuestra emoción cuando un bailarín interpreta una pieza cargada de sentimiento.

Según este estudio del Institute College of London, atletas y bailarines podrían continuar entrenando mentalmente cuando sufren una lesión física gracias a este efecto empático. Al fin y al cabo, gran parte de lo que somos capaces de hacer lo hemos aprendido imitando a los demás, para lo cual se requiere una gran dosis de atención.

La música y el ritmo son el mejor ejercicio para que los diferentes sistemas cerebrales se armonicen y sean eficientes los unos con los otros. Parsons ha demostrado que bailar mejora la memoria operativa, la planificación ejecutiva, la habilidad en la realización de multitareas y la concentración. Para corroborarlo, un estudio de la Universidad de Washington observó mejoras importantes en enfermos de párkinson tras 20 clases de tango. Esta enfermedad produce pérdidas de neuronas en el ganglio basal, lo que interrumpe su comunicación con la corteza motora y provoca rigidez y movimientos inconscientes. Gracias al tango, estos movimientos se redujeron.

Además de proporcionar placer físico y ayudar a la coordinación y la planificación, la danza tiene efectos psicológicos positivos, ya que a través de ella somos capaces de expresar nuestros sentimientos y comunicarnos con los demás. Basándose en el principio de que mente y cuerpo son inseparables, la danzaterapia –una corriente liderada por bailarinas y psicólogas– surgió a mediados del siglo XX en Estados Unidos. Esta rama de la psicoterapia se ha convertido hoy en una disciplina con reconocimiento universitario y se aplica tanto para tratar a niños autistas, o con dificultades motoras, como para resolver problemas de pareja o de depresión.

«Usamos el movimiento como medio de comunicación e introspección –explica Hilda Wengrower, directora académica del Máster en Terapia a través del Movimiento y la Danza, que imparte la Universidad de Barcelona–. Bailar tiene un aspecto catártico de liberación y alivio, y por sí solo es positivo, pero no es suficiente para curar. En danzaterapia queremos conocer las razones que nos llevan a necesitar una catarsis, vamos un poco más lejos.»

Este método se ha revelado especialmente eficaz en los casos de anorexia y bulimia, ya que aúna la acción sobre la palabra y el cuerpo. «La imagen interna que cada ser humano tiene de su físico está compuesta por aspectos neurológicos, cognitivos y emocionales, conscientes e inconscientes. Uno de nuestros objetivos terapéuticos es que cada persona tenga de sí una imagen más real, que se conozca a través del movimiento.»

Los danzaterapeutas establecen con su paciente lo que denominan un `diálogo kinestésico´, y son capaces de diagnosticarlo observando su contracción muscular, respiración, ritmo, postura y forma de moverse. «Las emociones son siempre corporales», dice Hilda Wengrower. Y es que, sin duda, nuestra manera de bailar nos delata, pero también nuestra forma de no hacerlo. Los especialistas creen que todos podemos bailar, entonces ¿por qué son tantos los que se sienten incapaces? ¿Por qué hay tantos cuerpos de palo, convencidos de que la danza es cosa de brasileños o africanos? Por una cuestión meramente educacional.

Según el neurocientífico Lawrence Parsons, «no hay estudios científicos que determinen diferencias en el cerebro de dos humanos con más o menos habilidad para bailar, para la música, para las matemáticas o para el razonamiento. En la mayoría de los casos, ser mejor sólo depende de haber tenido un entrenamiento temprano en la práctica de esa disciplina». A partir del año, todos los niños, sin excepción, responden a la música moviéndose rítmicamente. Es natural, pero llega un momento en que algunos reprimen ese instinto y se bloquean.

El baile es otro modo de comunicación, otro lenguaje, por eso las personas con dificultades para expresar o sentir emociones son las que encuentran más dificultad para dejarse llevar por la danza. Los que prefieren no hacerlo se están perdiendo la posibilidad de sincronizarse con otro más allá de lo racional, la oportunidad de expresarse libremente, de generar endorfinas y adrenalina durante horas, de recitar su memoria y mejorar su capacidad de coordinación y planificación. ¿De verdad se lo quiere perder?

XL Semanal / ABC, España, 2009.

¿Por qué elegir un zapato de práctica para baile?

2010-02-08T05:09:00.000-08:00

¿Por qué elegir un zapato de práctica para baile?
Es una herramienta para acortar el tiempo de aprendizaje. Al obtener los pies mayor comodidad y confort, la mente y el cuerpo se concentran sólo en el aprendizaje. No tienen que preocuparse de molestias adicionales.
Peso: los zapatos a mayor peso aumentan la dificultad para hacer el movimiento adecuado.
Flexibilidad, debe permitir libertad de movimiento para el pie, en el arco y los dedos. La falta de flexibilidad aumenta la dificultad de efectuar el movimiento adecuado.
Deslizabilidad y agarre: El nivel de fricción es muy importante en un zapatodebaile . Debe ser posible deslizar y el frenar en el momento apropiado. Debe ayudar a tener control al pisar para evitar escurrirse. Sujección: sin apretar, el zapato del bailarín debe sujetar muy bien al pié.

LA DANZA... CONVERTIR SU VIDA EN UN BAILE

2010-02-07T17:15:00.000-08:00

ESTILOS DE DANZA
LA DANZA... CONVERTIR SU VIDA EN UN BAILE Más que un placer inigualable, el baile esta reconocido por sus facultades terapéuticas contra el estrés y la depresión. Además de la sensación de bienestar que genera, bailar ayuda a mejorar la confianza en uno mismo y hacer que se sienta mejor en cuerpo y en mente creando una armonía consigo mismo y una sinergia con los demás . Los principales estilos de danza que se practican en España y también en el resto Europa son: Ballet o danza Clásica, danza Contemporáneo, danza Jazz o Modern Jazz o Afro Jazz, Flamenco, danza Española o Sevillanas, Claque, Body Percusión, Bailes de Salón, Tango, Salsa, Rumba, bailar Merengue, bailar Lyndie Hop o Charleston o Balboa, Rock, Be-Bop o Boogie-Boogie, bailar Valz, Cha-cha-cha o Mambo, bailar 2 Steps o Foxtrot, Danzas Folclóricas, Sardana, bailar Country o Line Dancing, danza del Vientre, Oriental o Tribal, Danza Bollywood, Hindú o Bhangra, danza Africana, Capoeira, danzas Hip Hop, Break-Dance, Lockin & Popin, Old School, New Style - Hype o Street Dance, bailar Raga, Afro, Krumping, Lofting, Skating, R&B, New Jack. Bailar Comercial Dance, Disco o House Dance...

2010-02-06T13:01:00.000-08:00

BODY PERCUSIÓN (PERCUSIÓN CORPORAL)
La percusión corporal es el arte de crear sonidos de percusión tales como aplaudir, silbar y golpear ligeramente los muslos y el pecho usando exclusivamente movimientos y partes del cuerpo. Se puede también hacer uso, a veces de cosas del alrededor, para llamar a la puerta o emitir sonidos de golpes de sillas etc. la percusión corporal se puede realizar en si sola o como acompañamiento de una canción. Las tradiciones populares de muchos países (particularmente África) incluyen el uso de la percusión del cuerpo. Como los instrumentos de música, muchas técnicas para crear sonidos se pueden aplicar al cuerpo humano: golpear, raspar, frotar o sacudir para producir vibraciones. Además el cuerpo tiene una multitud de posibilidades únicas de crear sus propias percusiones y sonidos, incluyendo el uso del aire inhalado o exhalado y de los sonidos vocales. La percusión corporal (Body Percusión) esta muy relacionada con la danza ya que se puede encontrar en el Claqué, el Flamenco, la danza Contemporánea, la danza Hip Hop y muchos más. LOS CUATROS PRINCIPALES SONIDOS
Los cuatro sonidos de la percusión corporal son tradicionalmente: El "Stomp": Estampar los pies contra el suelo o una superficie resonante El "Patsch": Acariciando el muslo izquierdo, derecho o ambos muslos con las manos El "Clapping": Aplaudir las manos juntas El "Click": Con el pulgar y los dedos medios.

Etimología de la Palabra Tango

2010-02-05T08:04:00.000-08:00

Etimología de la Palabra Tango
El Tango Argentino lleva consigo las influencias de las culturas diversas. Dentro de la historia, la gente de todas las partes del planeta ha afectado a creación del tango en una manera creativa y exclusiva.
Hay muchas teorías e hipótesis tanto sobre el origen del tango como el baile, asimismo y sobre el origen de la misma palabra Tango.
Una de muchas teorías sobre origen de la palabra Tango es la teoría que en efecto la palabra Tango presenta una onomatopeya. Según esa teoría la palabra Tango significa el sonido de tambor, que se ha utilizado en el tango temprano. Pero, hay algunos factores que ponen en cuestión esta teoría. Primero, el tambor no es el típico instrumento de tango en la música de tango, como en el viejo tango tanto ni en el nuevo tango. Violín, guitarra y flauta fueron exponentes de la música temprana del Tango, y más tarde también y el bandoneón Alemán, y no hay alguna prueba que cualquier tambor se ha utilizado.
Otra teoría del origen de la palabra procede de la palabra Portuguesa tangere, que significa 'tocar'. Representantes de esta teoría encuentran el fundamento en la influencia fuerte de cercano Brasil. Pero, tomando en consideración que para el tango temprano no fue característica la posición cerrada, como hoy día tiene la palabra tangere o sea "tocar" lo no se pueda aceptar. La posición cerrada va a ser más tarde característica del Tango Argentino como la danza, pero lo se ocurrió después que el Tango ya se hizo conocido bajo ese nombre. Así la palabra 'tocar' no pueda ser la fuente para algo donde no existía algún contacto.
La teoría más aceptable es la teoría según la cual la palabra `Tango` tiene el origen Africano. En algunos lenguajes Africanos, el Tango tiene significación de `lugar cerrado`, o sea, el lugar donde se bailaba en área cerrada. En España la palabra `Tango` tenía significación de bailes Africanos, y algunas formas de Habanera son conocidas como el Tango Andaluz. Conforme a eso, está claro que la palabra Tango fue en uso antes del Tango como la danza. Se propone que primeros pasos del Tango se han originado en esos tango lugares de África, dónde se bailaba, sin abrazos, que refuta una vez más la teoría que el Tango procede de la palabra Portuguesa tangere.
Hay algunas opiniones que la palabra Tango se originó en África Oeste derivada de la palabra Tambo que significa una celebración o fiesta.
Parece que la palabra Tango ha llegado en Argentina sobre el océano Atlántico, porque Buenos Aires tenía un gran papel en el comercio con gente, que se frecuentemente evita fortuitamente o con intención, pues muchas teorías sobre el origen de la palabra Tango no puedan aceptar.
El papel central en aparición de la palabra Tango tiene África y los africanos quienes en el siglo XIX han atravesado el océano Atlántico y llegaron en Río De La Plata, donde encontrarían su libertad en el baile.

2010-02-04T04:33:00.000-08:00

La Salsa
Desde los años 30, se sucedieron olas de músicas latinas procedente principalmente de Cuba en intervalos casi regulares (todos el 20 años aproximadamente). La primera fue la Rumba, el segundo fue el Mambo y el Cha-cha-cha. El estilo más reciente es La Salsa, nombre lanzada en los años 70 por los cubanos y los Puertorriqueños en Nueva York para anunciar una nueva tendencia más revestida con más cobres, más urbana y más sofisticada. El término no significa simplemente una mezcla de danzas latinas en la jerga cubana, una mujer que tiene "salsa" es una mujer con sensualidad. Se encuentran distintas corrientes de bailarines de salsa, las dos esenciales son de origen puertorriqueño y de origen cubano respectivamente. Dentro de estas mismas corrientes, se encuentran matices: la Salsa con el primer paso sobre el "1" de la música o con el primer paso sobre el "2" llamada Salsa "on 2". La "Rueda" es también una manera de bailar La salsa en grupo de bailarines (a menudo dispuestos en círculo).

2010-02-04T04:29:00.000-08:00

Estilos de Tango
Canyengue es probablemente el estilo más antiguo de Tango argentino. Se presentó en 1930 y algunas características de este estilo son:
Orillero es uno de los viejos estilos también. Su origen está en las calles de las barriadas obreras. Este estilo no se aceptó en los salones de Tango de aquel tiempo. Debido a sus complicados pasos, el Orillero se bailaba en una posición cerrada. La música de Juan D`Arienz y Rodolfo Biagio era ideal para este estilo.
Milonguero es un estilo caracterizado por la postura de ‘apilado’ . En esta posición, la parte alta del cuerpo está en constante contacto, el equilibrio se comparte, la posición no varía aunque se realicen ‘ochos’ o ‘giros’ . Una de las muchas orquestas que tocaron música de este estilo es la de Carlos Di Sarlia. Una figura típica de la Milonga es la `ocho cortado`.
Salon o Tango Salon se caracteriza en:
Nuevo Tango, se caracteriza
Fantasia (Show Tango) es un Tango escénico. Se baila con una posición abierta y fuertes movimientos, y muy frecuentemente se incluyen movimientos de otros estilos de Tango.
Unas pocas palabras sobre los diferentes estilos: Cada estilo es único y tiene su lugar en la historia del Tango Argentino. Actualmente, cada uno de los estilos se puede realizar en una posición cerrada, especialmente el milonguero. La excepción de esta regla es el Show Tango, el cual siempre es bailado en una posición abierta. Otra característica del Tango Argentino moderno es la improvisación aplicando los diferentes estilos a la vez

Estilos de la salsa caleña

2010-02-02T16:44:00.000-08:00

Estilos de la salsa caleña

En Cali confluyen diversas maneras de bailar la salsa. Los expertos definen los cinco principales:

El estilo clásico caleño llamado también como guateque

Se caracteriza por la velocidad y la habilidad en el movimiento de los pies, los desplazamientos frontales o laterales, la marcación sincrónica de los tiempos con los gestos corporales y la cadencia rítmica de los bailarines.

El pasito cañandonga

Se caracteriza por la menor velocidad que el clásico caleño, con otros pasos y con nuevas figuras sobretodo de las manos, algunas de ellas provenientes o influenciadas por los modos de bailar la salsa en Nueva York y Miami.

El cobao

Viene de Buenaventura y se caracteriza por la quietud de la pareja, fija en un mismo punto con los cuerpos pegados que se mueven casi imperceptiblemente con un suave vaivén de la cintura y sutiles movimientos las manos.

Festival Mundial de Salsa en Cali /Fot. Aymer Álvarez/

Y los más complejos:

El casino y rueda del casino

Consiste en bailar salsa circularmente, diseñando un variado repertorio de figuras que tienen su respectiva denominación. El casino, que es el baile de pareja, da origen a la rueda de casino como una danza colectiva que gira en sentido contrario a las manecillas del reloj.

La timba

Es un modo de bailar esta música cubana contemporánea diferente a como se baila en la isla. En Cali se ha desarrollado también después del año 2000, con alguna influencia del reggaeton.

BANDONEÓN

2010-02-02T16:42:00.000-08:00

Bandoneón

Bandoneón... ¿qué otro instrumento explicaría mejor la melancolía, pasión y profundidad del Tango Argentino...?

Orígenes de este instrumento músico se encuentra en Alemania. En el año 1834 Carl Friedrich Uhlig, el músico famoso, presentó el acordeón de nuevo tipo, la Concertina Alemana. De este instrumento músico Heinrich Band, el comerciante de instrumentos músicos, ha proporcionado el Bandoneón, que después ha sido puesto el nombre por él. Sajonia en Alemania era la locación principal donde las concertinas y los bandoneones han sido manufacturados. Los productores más famosos eran Chermnitz, Klingenthal y Carlsfeld.

Al comienzo del año 1850 el bandoneón salió de Alemania y ha entrado en otros países. Los inmigrantes le han llevado en el Nuevo Mundo en sus maletas, y así este instrumento folclórico de Sajonia llegó hasta Argentina y Buenos Aires. En los puertos y clubes marineros de Buenos Aires, se nació alrededor del año 1900 el sonido del bandoneón, como el sonido del tango. El bandoneón, con su sonido especial, se hizo el símbolo de música del tango.

Aunque durante el tiempo eran muchos músicos de tango, como eran bandoneonístas Argentinos Eduardo Arolas, Anibal Troilo, Pedro Maffia, Lepoldo Federico, Nestor Marconi, Juan Jose Mosalini, Dino Saluzzi y otros, el hombre que introdució el bandoneón en salas de conciertos era Astor Piazzolla (1921 – 1992). Un gran parte de su juventud ha dedicado al Tango Argentino, para volverse al tango, después de los estudios de la música clásica, junto con Alberto Ginastera y Nadia Boulanger en Paris.

Aunque el Nuevo Tango de Astor Piazzolla no fue aceptado por los tangueros en Buenos Aires, sin embargo poco a poco ganaba en popularidad, que hoy día Piazzolla estaría clasificado entre los músicos mayores de nuestro siglo. Es muy interesante que algunos taxistas en Argentina no querían ni recibirle en sus coches, mientras los otros le han conducido donde quería sin alguna compensación. No obstante, Astor Piazzolla hizo famoso el bandoneón, inspiró nueva vida al Tango Argentino y le hizo eterno dentro de más de 750 composiciones, conciertos, óperas, más de 40 películas, obras teatrales, etc.

2010-02-02T16:39:00.000-08:00

La Cumparsita

Lyrics & music: Gerardo Matos Rodriguez

La Cumparsa
de miserias sin fin
desfila,
en torno de aquel ser
enfermo,
que pronto ha de morir
de pena.
Por eso es que en su lecho
solloza acongojado,
recordando el pasado
que lo hace padecer.

Abandonó a su viejita.
Que quedó desamparada.
Y loco de pasión,
ciego de amor,
corrió
tras de su amada,
que era linda, era hechicera,
de lujuria era una flor,
que burló su querer
hasta que se cansó
y por otro lo dejó.

Largo tiempo
después, cayó al hogar
materno.
Para poder curar
su enfermo
y herido corazón.
Y supo
que su viejita santa,
la que él había dejado,
el invierno pasado
de frío se murió

Hoy ya solo abandonado,
a lo triste de su suerte,
ansioso espera la muerte,
que bien pronto ha de llegar.
Y entre la triste frialdad
que lenta invade el corazón
sintió la cruda sensación
de su maldad.

Entre sombras
se le oye respirar
sufriente,
al que antes de morir
sonríe,
porque una dulce paz le llega.
Sintió que desde el cielo
la madrecita buena
mitigando sus penas
sus culpas perdonó.

"Amo bailar" y tu: amas bailar?

RESPETO! UN CÓDIGO QUE NO DEBE ROMPERSE

RESPETO! UN CÓDIGO QUE NO DEBE ROMPERSE...

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Tango 2011.03.04 (ini).MPG

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"Guaguancó"

Guaguancó

"Little Swans" - funny parody by Takane Dance World

"DANZA DEL VIENTRE"

Veronica Massini y grupo GamourDance Tango ModernoYesterday

"La zapatilla ideal para cada pie."

La elección de un calzado adecuado para cada actividad y tipo de pisada reduce el riesgo de lesiones:

Elegir zapatillas no es tarea fácil. La abrumadora oferta de marcas y modelos confunde desde la vidriera de la casas de deportes. Y es así como la elección suele quedar librada al más o menos certero consejo del vendedor o a nuestro no siempre bien adiestrado criterio.

Dime cómo pisas...

"El 90% de las afecciones de miembros inferiores se relacionan con la sobrepronación, que, a su vez, suele estar asociada al pie plano -comenta Güerzoni-. Al igual que las personas de mayor peso corporal, los sobrepronadores necesitan un calzado con máxima estabilidad."

Uno de los más modernos es el sistema Footscan. "Consiste en una plataforma con más de 8000 sensores que captan las diferentes presiones realizadas tanto en forma estática como dinámica, durante las distintas fases de apoyo del pie durante la marcha", explica Güerzoni.

Esta evaluación de la pisada arroja, en cuestión de minutos, valiosa información sobre el tipo de pisada y sobre la existencia de alteraciones de la estabilidad en distintas partes del pie, al mismo tiempo que informa sobre cuáles son los puntos de presión o hiperpresión al pisar.

Todo ese cúmulo de información permite determinar cuál es el tipo de calzado más adecuado (para pisadas pronadoras, neutras o supinadoras), y sirve también para la elaboración -en caso de ser necesarias- de plantillas correctivas, funcionales o que aporten un mayor confort.

"Hoy en día, existe una gran diversidad de materiales para las plantillas, que a partir de un preciso diagnóstico de la pisada pueden utilizarse para diseñarlas y personalizarlas, brindando la solución ortopédica necesaria, según peso y edad", afirma Güerzoni.

"Muchos atletas de elite ya están utilizando las plantillas, aun teniendo una pisada considerada normal, con el objetivo de asegurarse estabilidad y confort", concluye.

1000 kmEs la vida útil de un calzado

En promedio, un calzado deportivo puede brindarnos sus servicios entre 800 y 1200 km, no más.

90%De las lesiones

En miembros inferiores, como la tendinitis del talón de Aquiles, se asocian a pisadas sobrepronadoras.

Domingo 23 de enero de 2011 Publicado en edición impresa

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